Nosferatu, un clásico, este gran clásico, con una de las secuencias más maravillosas, terroríficas, sombrías y vistas del séptimo arte, pasó por delante de mis ojos hace apenas unos días. El lugar, el festival de cine fantástico Europeo de Murcia celebrado en la Filmoteca Regional y, con una peculiaridad más, fue acompañada la proyección por dos músicos, Lucas Albadalejo (teclado) y Victor Díaz Pastor (guitarra), que elaboraron una música dulce y especial de cosecha propia para la ocasión. Decir, que ambos trabajos unidos –y para deleite de los asistentes- hizo que presenciáramos uno de los momentos más bonitos del festival y de la vida de uno como cinéfilo o espectador. Son muchos los momentos grandes que resaltar para un cinéfilo, pero este ya es uno más en mi lista particular.

Es sabido de este film de terror como uno de los ejemplos claros de vampirismo auténtico, obra clave del expresionismo alemán y del terror en todas sus vertientes; poética, estilista y tenebrosamente hablando. Porque en esta joya, adaptada libremente por F.W. Murnau de la obra de Bram Stoker, “Drácula”, -la viuda de Stoker logró que se reconociese la autoría, y obtuvo una orden judicial para destruir los negativos y todas las copias de la película-, podemos presenciar, saborear y disfrutar a lo largo de noventa minutos de un derroche de luces y sombras en secuencias inolvidables y mágicas, que pocas veces podrá tener uno la oportunidad. De una poesía cuidada, magistral y oscura, llamada a contagiar enfermedades de cualquier tipo, como en la propia película sucede. Aclarar, resaltar –acabo de leerlo-, que el nombre del film, “Nosferatu”, proviene del griego “Nosophoros”, que significa portador de plagas, ya que el vampirismo era según la literatura, una plaga. Y así sucede en esta pieza de culto, recordemos, filmada en 1922 por un Murnau, que por entonces, era de los más reconocidos en este campo. El conde Orlok, fuera o no un vampiro real –se dice que practicaba el vampirismo- era transmisor de plagas y allá por donde pasaba, oníricamente o no, su sombra, bocado o estampa, te mataba o petrificado dejaba (esto último por la absoluta maestría a la hora de moverse, de actuar). La forma de su cabeza, orejas puntiagudas, perfil y unas uñas que dan miedo, son detalles de mucho valor realzados cuando la luz, sobre todo, dejaba su imagen grabada en una pared.

Hutter (Gustav von Waigenheim) viaja hacia Transilvania para intentar vender una propiedad en Bremen al conde Orlok (Max Schrek). Llega a la región y descubre el miedo de sus habitantes cuando comenta su visita al castillo de Orlok. A pesar de ello y de la lectura de un libro sobre vampiros, Hutter llega por la noche al hogar del extraño conde, con quien negocia la compra del inmueble. A la mañana siguiente y tras despertarse, descubre dos pequeñas heridas en su cuello… Su vuelta a Wisborg será una dura lucha contra su agónico estado de enfermedad y por llegar a tiempo y salvar a Ellen –su mujer-, en peligro desde que el conde la vio en una fotografía. El descubrimiento de que Orlok es realmente un vampiro, será el comienzo de un final plagado de muertes e interrogantes.

Sobre este acontecimiento cinematográfico lleno de terror y furor, os puedo decir, que gracias a los culpables de cámaras, fotografía, dirección, escenarios y ambientación de la película, sumado a la impresionante y elocuente música de Lucas y Victor que hizo de banda sonora, pude ser testigo de un momento evocador de otros momentos igual no vividos aún, pero significativos a la hora de creer en el terror y sus muchas formas existentes que tiene.

Nosferatu, que muerde y apesta hasta matar, es increíblemente bella.

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Nosferatu de Werneg Herzog

Shadow of the vampire (la sombra del vampiro) de E. Elias Merhige

Fue tan duro  el batacazo que me llevé con “H2”, que crucifiqué casi de por vida al señor Zombie. Me cuesta creer y perdonemen los/las que babeen por esta película, pero es que no hay por donde coger a un tipo enmascarado que se pasa todo la película andando a través de praderas, carreteras infinitas, gasolineras y matando todo lo que se le cruza. Es insulsa rematada. Es penosa. Y por esto, mi visionado con su siguiente trabajo no era demasiado entusiasta, por no decir que nada. Pero vayamos a los señores de salem y como Rob Zombie se desenvuelve con su nueva historia.

The Lords Of Salem de puño y cámara de Rob, cuenta como desde hace mucho tiempo, en Salem (Massachusets), centro neurálgico del mal, las brujas celebraban sus aquelarres. En la actualidad es, al menos en apariencia, una ciudad normal. Heidi (Sheri Moon Zombie) presenta un popular programa de radio centrado en el rock duro; un día, recibe un vinilo promocional de una banda llamada The Lords. La música, extraña y siniestra, la deja profundamente turbada, provocándole pesadillas y alucinaciones.

Quede claro, que la sinopsis e idea de la película, personalmente, me parece fantástica, atractiva y poderosa, pero otra cosa es lo que vemos cuando nos adentramos en este nuevo experimento del músico pasado a director. ¿Un nuevo fiasco? ¿Vuelve a tener mi perdón? ¿Ha sabido explotar su idea? Muchas preguntas vuelven a surgirme después de su visionado y, la verdad, es que por el momento será puesto nuevamente donde lo tenía después de aquella “La casa de los 1000 cadáveres” y por los impresionantes veinte primeros minutos de “Halloween. El origen”. “Los renegados del diablo” me pareció menor que su primer trabajo y mejor que su trabajo posterior. Esta “The Lords Of Salem”, la colocaría por el tercer peldaño, más o menos y para que se me entienda. Es una película que técnica y visualmente sí que me ha gustado. Aquí, nuestro prolífico director, si ha sabido sacudirse bien el polvo que lo cubría.

Para aclararos un poco más, decir que ese atractivo del que os hablaba, se perderá por el soso guión que te tiene. Te hace estar en ascuas por querer ver el desenlace final, pero son unas ascuas más bien frías. No hay consistencia en su actriz principal, la chica Zombie, ni en sus dos compañeros de reparto y trabajo. El punto fantástico sí que está ahí presente, pero también algo perdido entre la propia neblina, me repito, de un guión si peso ni estable. Y poderosa, sobre todo, en su realización, que sí resalto; textura, trato con la cámara y una parte final donde Rob se deja llevar por la psicodelia y saca a flote una serie de instantáneas, secuencias y momentos, verdaderamente llamativos, imponentes y llenos de locura, sangre, ritos satánicos, personajes inolvidables y diálogos que machacan. “SATAN COME TO US WE ARE READY”. Pero sólo eso, la psicotrópica parte final visualmente es lo que hace ganar un poco de nota a este trabajo.

Destacar también, como no podía ser de otra forma, la música que acompaña al film. Elegida con gusto, acertada y haciéndole ganar unos pocos puntos para que no sea todo tan gris. Gris como las cenizas que quedan de restos de los ritos de las brujas, vigiladas por la cabra del mal. expectante de cualquier acto no acorde a sus creencias. Colores chirriantes, fuertes y con tendencia a bañar de maldad y suciedad, como todos y cada uno de los habitantes de la gran pesadilla que vive y sufre Heidi, de sangre, odio y un lúgubre lugar donde residir en compañía de Satán.

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Con sólo tres películas en su casillero como director: “Parking 2, 2007”, “A un paso de la muerte, 2009” y “Maniac, 2012”, Khalfoun está irrumpiendo poco a poco, silenciosamente, de forma inteligente, si sigue así y no se tuerce como muchos otros directores, en el mundo del terror, fantástico, gore y demás géneros que se pueden ver en el interior de sus trabajos. Sus dos primeros trabajos están escritos al igual que Maniac, por Alexandre Aja y Grègory Levasseur, creadores entre otras de “Haute Tension”, “Furia” o “Las colinas tienen ojos”; guión y dirección el primero, guionista el segundo. Con esto, la premisa de poder presenciar algo relevante dentro del terror y subgéneros, debería de estar más que asegurada. Sólo espero que este remake de la orginal “Maniac, 1980” dirigida por William Lustig y escrita por C.A. Rosenberg y Joe Spinell sea la base de una carrera prolifera y continúe dando alegrías como la que me ha dado con esta pequeña joya, que para nada esperaba.

Fijándome solamente en esta nueva versión, donde Khalfoun, Elijah Wood, su protagonista principal de cabo a rabo, y los guionistas, que se quedan más anchos que largos y sin medias tintas (cosa que ya echo mucho de menos del señor Aja en su propia filmografía como director), nos topamos con una película sin miedos, sin posibilidad de hacer preguntas, directa, enfermiza, dolorosa, sangrienta y con un ritmo, que gracias a una música realmente acorde, destripa la mente de un chico destruido por culpa de los excesos de su madre en un pasado.

Frank (Elijah Wood) lleva una vida solitaria como propietario de una tienda de maniquíes. A primera vista, parece incapaz de matar una mosca. Sin embargo, hay algo profundamente perturbador en su mirada; un secreto oscuro y perverso que resurgirá tras su encuentro con Anna, una joven artista que acude a él en busca de ayuda para una exposición fotográfica.

Se hace difícil no ver algo de “Drive” de Winding Refn en Maniac. Véase el comienzo, o toda la música del film. Un toque vintage no le falta a este rejuvenecido slasher, que desde su comienzo te tendrá atado al sillón para no dejarte escapar hasta bien acabo su metraje. Todo está bien llevado y contado. Elijah está sublime. Khalfoun nos da perspectivas con su cámara, que llegan incluso a asfixiar al propio espectador. La estética está bordada. El ritmo el adecuado. La enfermedad del guión, de premio. Los momentos más sádicos, gores y locos, me pusieron la sonrisa de oreja a oreja, el vello de punta y las palmas de las manos chocándose entre sí.

Premiada recientemente en el FANT de Bilbao 2013 como mejor película del festival. Probablemente siga acumulando algún premio más, pero eso es lo de menos. Lo que importa es que está escrita, realizada e interpretada con muy buen gusto y sin miedo.  Lo verdaderamente valioso, es que un hostiazo de aire fresco, remake o no, al género. Valiendo esto para seguir creyendo en un género que hace y hará muchas fechorías en las mentes de los más enfermos, como en la de los más cuerdos.

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Entre el 13 y 17 de Mayo la ciudad de Murcia recibirá la visita de grandísimos trabajos del mejor terror, gore y sci-fi europeo. Se podrán ver clásicazos como “Nosferatu“, dirigida por F.W. Murnau, obra esta clave del expresionismo alemán y una libre adaptación de la novela de Bram Stoker “Drácula” por Henrik Galeeny. También se proyectará “La caída de la casa de Usher“; una adaptación de la historia de Edgar Allan Poe.

La banda sonora para “Nosferatu“, en directo creada e instrumentada para la ocasión, según una composición original, correrá a cargo del músico cartagenero de gran trayectoria Lucas Albaladejo acompañado del guitarrista Víctor Díaz Pastor. Para “La caída de la casa Usher“, la banda sonora en directo será interpretada e instrumentada, según una composición original, por uno de los más interesantes y completos artistas de la Región de Murcia, Raúl Frutos y su universo particular de instrumentos musicales.

Entre conferencias, proyecciones de películas y documentales, homenajes y un etcétera bastante largo y muy digno, se celebrará el segundo concurso de cortometrajes nacional, provisto de suculentos premios económicos. El lugar donde se celebra este gran evento es en la Filmoteca Regional, que durante unos días, se verá inundada de magia, ocultismo, terror, sangre, poesía y mucho amor por el cine y estos géneros en concreto.

No perder la oportunidad de asistir alguno de los días. No importa cual sea, cada día hay una o varias joyas por descubrir. “A L `Interieur“, “Martyrs“, “Solaris“, “Colin“… En serio, mis más sincera enhorabuena para los culpables de este festival, que hacía falta como el comer en la capital murciana.

Toda la información la podéis encontrar aquí www.c-fem.es

No suelo escribir sobre series, porque no suelo ver series. Pero últimamente parece que mi mente donde mejor se encuentra es refugiada en los rincones de algunas de estas propuestas televisivas de mucho más interés que los ciento de estrenos semanales que hay. Con tanto cine y no haber por donde coger, con muchas menos series (¿no?) y sí saber por donde atacar. Es curioso, pero estos últimos meses las alegrías me las he llevado con series más que con largometrajes. Me falta esa película que me deje hecho polvo mentalmente, bien por la tristeza, entusiasmo o locura que desprenda. Ese largometraje que no me deje vocalizar durante los primeros 500 metros nada más salir del cine. Propuestas arriesgadas, ya sea indie, gore, terror, drama, autor, o una simple tontería, pero con estilo y base. Hace tiempo que ninguna película me atrapa y succiona para hacerme suya.

Os dejo dos artículos que he escrito días atrás en mi otro blog, sobre dos series que me han atrapado, seducido, martirizado,  maravillado y entusiasmado. También han hecho que le de vueltas al coco, que entre en tensión y que salte del sillón. Les hablo de “The Shadow Line” y “Homeland“.

El Festival presenta su cartel, que evoca a ‘La semilla del diablo’

¡Empieza la cuenta atrás! Hoy faltan justo seis meses para que Sitges 2013 abra el telón en el que ya está anunciado una de las actuales estrellas del cine internacional: el japonés Takashi Miike, que ya ha confirmado su presencia en el Festival con una nueva película entre manos: Leson of the Evil. Sitges 2013 será inquietante, tanto que el carte de este año evoca el nacimiento del mal y uno de los iconos del fantástico, La semilla del diablo (Rosemary’s Baby, Roman Polanski, 1968).

El sonido inquietante de una nana procedente del infierno invadirá las calles de Sitges durante la 46 edición del Sitges – Festival Internacional de Cinema Fantástic de Catalunya que se celebrara del 11 al 20 de octubre próximos. El poster del festival, una vez mas diseñado por la agencia China, nos recuerda el nacimiento del Mal en una imagen inspirada en el clásico de Román Polanski La semilla del diablo (Rosemary’s Baby), advirtiendo que este año habrá que protegerse contra el señor de las tinieblas si uno se acerca a las bellas tierras sitgetanas. La fascinación por el Angel caído ha sido fundamental en el cine fantastico universal con títulos decisivos como La noche del demonio (Curse of the Demon, Jacques Tourneaur, 1957), la citada obra maestra de Polanski, la famosa El exorcista (The Exorcist, William  Fri edkin, 1973) hasta llegar a uno de los éxitos del festival el pasado año, The Lords of Salem de Rob Zombie.

Homenaje a Takashi Miike
A este inquietante Sitges llegará uno de los maestros del cine actual y un referente para las generaciones contemporáneas de realizadores: Takashi Miike. 10 años después de su primera aparición en Sitges, Miike volverá a un Festival que adora y que él tiene como uno de los modelos del cine actual.

Sitges homenajeará al prolífico Takashi Miike proyectando en la Sección Oficial Fantàstic a Competició Leson of the Evil, que narra los traumas que padece una maestra psicópata. Aprovechando su presencia en Sitges, el Festival programará una retrospectiva-homenaje a Miike y publicará un libro sobre su figura.

En 2003 –un año después de compartir ex-aequo el premio Orient Express porAraburu Taashi-Tachi (Agitator)–, Takashi Miike llegó a Sitges para recibir la Màquina del Temps. Ese mismo año, ganó la Maria a los mejores efectos especiales por Gozu, premio que repitió el siguiente año, esta vez por Izo. En Sitges 2008, obtuvo una Mención Especial del Premio Noves Visions por God’s Puzzle. En el 2001, Sitges proyectó Hara Kiri: Death of A Samurai y el año pasado, programó en la sección Noves Visions For Love’s Sake.

Nuevas tendencias del fantástico, talento catalán, diversidad de pantallas
Sitges tendrá como objetivo prioritario de esta edición la seleccion de los títulos que creen tendencia en las diferentes ramas de lo fantastico, siendo especialmente sensible a la generación de nuevo talento y, en especial, a la consolidación del genero en la cinematografía catalana. El festival ademas se compromete a investigar las nuevas formas de creación y producción cinematográficas, la diversidad de pantallas, el impacto de la televisión en el genero asi como las aplicaciones transmedia y similares.

Sitges celebrara también las mas de dos décadas de vida de dos de sus secciones mas representativas como son Anima’t y Seven Chances. Respecto de la primera, desde 1992 se ha convertido en n gran foro de presentación de la mejor animacion en formato largo y corto mundial, aspirando a ser ademas un aglutinador fundamental en la expansiva industria de la animacion catalana. Seven Chances, eccion coordinada con la Asociación catalana de críticos y escritores cinematográficos se ha convertido en una referente de ese cine invisible que se resiste a llegar a las carteleras y que ha combinado a la perfección en su trayectoria los conceptos genéricos y de autor.

El cartel
El recuerdo a La semilla del diablo y la iconografía que envuelve este clásico del cine de género protagoniza el cartel de Sitges 2013, realizado una vez más por la agencia China, autores del cartel desde el año 2010 y responsables creativos del spot desde el 2002. Miguel Ángel Duo, director creativo, y Rafa Antón, director creativo ejecutivo, junto con el fotógrafo Biel Capllonch, son los autores de los trabajos. La imagen redimensionada de la clásica postal de Sitges (conocida como “la Punta”) y el elemento referencia del cartel de La semilla del diablo se han unido en esta ocasión para proyectar la imagen del certamen.

Miguel Ángel Duo y Rafa Antón han resumido de esta manera el proceso creativo de elaboración de la imagen de Sitges 2013: “Cuando nos planteamos la imagen de este año, no podíamos evitar referenciarnos una y otra vez con el gran póster de La Semilla del Diablo. La imagen del carrito recortado contra el cielo, con la cara de Rosemary sobreimpresionada, es de una fuerza brutal, muy inquietante solo por lo que sugiere, sin necesidad de ser explícito. Ese es uno de los grandes méritos del cartel y, por supuesto, de la película de Polanski”.

Duo y Anton ha añadido que “de forma natural, decidimos que el carrito sería el protagonista de nuestro cartel. Polanski sugiere en la película que el bebé puede estar engendrado por el propio diablo. Y en ese contexto, un objeto que puede simbolizar lo más ingenuo es también una metáfora de la llegada del satanismo y el terror a Sitges. Algo tan simple como un carrito de bebé envuelto en unas llamas en un rincón de Sitges nos pareció que podía tener la fuerza evocadora que exige una película tan única”.

La ayuda institucional y de los patrocinadores
El Festival, ahora más que nunca, agradece el compromiso y la ayuda de los patrocinadores, que un año más, ya han confirmado su participación: Gas Natural Fenosa (Patrocinador Principal), Meliá Sitges y el Periódico de Catalunya (Patrocinadores), Deluxe (Colaborador), TV3 (Televisión Oficial), Telentrada de CatalunyaCaixa (Venta de entradas), Autolica-Mercedes Benz (Vehículo Oficial) y Moritz (Cerveza Oficial).

Sitges 2013 será posible también gracias a la ayuda del Ajuntament de Sitges, el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya y el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Visuales. La organización de la 46ª edición del Festival ya ha empezado a trabajar en la planificación del certamen, que, una vez más, volverá a tener el Jurat Carnet Jove, gracias al acuerdo con la Agència Catalana de Joventut, organismo que gestiona el Carnet Jove.

Fuente: Prensa Festival de Sitges`13

P.D: sólo toca ahorrar, el resto lo da el festival.

Ha costado tiempo tanto el poder volver a ver una película en pantalla grande de este grande, como el ponerme a escribir sobre dicho último trabajo. Como siempre, bien el tiempo, la cabeza o la estimulación, pero aquí está mi pequeña reseña sobre “Spring Breakers”, esa cinta visualmente rompedora, polémica por ciertos apuntes, pero, y creo no estar equivocado, que (y es una lástima), no está a la altura de lo esperado, o por lo menos y para mí, de sus predecesoras, como “Gummo” o “Mister Lonely”. No con esto quiero ya descafeinar la vuelta al trabajo de uno de los mejores directores jóvenes que existen, todo lo contrario, darle las gracias por su siempre visión tan cruel, real y enfant terrible de nuestra sociedad.

Harmony Korine vuelve a levantar hábitos y bajar calzones sin medias tintas. Para bien como para mal. Para el disfrutar de unos o el aburrimiento de otros, su nueva película es el real y fiel retrato de una edad en concreto de nuestra juventud que rompe las barreras para hacer de su ansiedad por la fiesta, una carrera sin censura ni límites. Playa, música drogas, alcohol y mucha carne libre de ropa, más para el disfrute de chicos, que para el de las chicas. Spring Breakers, vacaciones primaverales locas, es el nuevo artefacto de este ingenioso y revoltoso director que no dejará indiferente a nadie.

Sus cuatro atractivas estudiantes y protagonistas principales (Selena Gomez, Vanesa Hudgens, Rachel Korine y Ashley Benson) planean reunir dinero para el viaje de vacaciones de primavera atracando un puesto de comida rápida. Hacer hincapié en la formidable dirección de Korine, que en esta secuencia del robo, deja patente ser más que un experto en la materia, dejándonos parte de lo mejor de todo el metraje. Pero esto será sólo el principio de un viaje más que loco, un viaje que traspasará lo salvaje en muchas de sus situaciones. No sólo se tratará de fiesta. Durante una noche -de fiesta-, las chicas son arrestadas con cargos por drogas. Con resaca y vestidas sólo con sus bikinis, comparecen ante un juez, pero son liberadas inesperadamente por Alien (un casi irreconocible James Franco), un infame matón local que las toma bajo su ala y las llevará a la vacaciones de primavera más increíbles e inolvidables de su vida.

No hace falta a estas alturas remarcar nada, ya que todos/as probablemente hayan visto la película o al menos el tailer, pero con una premisa tan gorda, a ver a quien no se le cae la baba y erizan los pelos por ver esto. Sólo su comienzo, a cámara lenta y con una remezcla del fantástico tema de Skrillex “First of the year (equinox)”, donde se nos ponen los dientes y… (ejem) más largos que a un hamster, en el que se puede ver lo que les espera a nuestras protagonistas hambrientas de fiesta en esa spring break de Florida, es para guardar bajo llave de oro y en un cofre  que se hará inexpugnable.

Un guión soso por momentos, pero con una dirección sobria, hacen que la película no caiga del todo en el temido aburrimiento y desesperación que provoca a ratos. Su música, hip-hop y electrónica, como la alternancia de saltos en la historia para ir viendo un antes y un después de lo que se nos cuenta, sumado al brutal estilo (colores, saturación de imágenes, cámara lenta…) que ha impregnado en la dirección Harmony korine a su nuevo trabajo, la convierten en un producto ni perfecto, ni malo, sólo en algo muy disfrutable, para pasar un buen rato y no pensar en nada más, ni durante ni después. Bueno, después se puede pensar en muchas cosas.

Había muchas ganas de que volviera y ya lo ha hecho. Con mayor o menor acierto, pero este gran escritor y director ha vuelto a poner las cosas en su lugar. Ya tenemos Harmony Korine para otro tiempo (esperemos que no mucho). Difícil será olvidar esa segunda fiesta de spring breakers donde las caras pierden su forma como si de photoshop animado se tratara, donde tu cuerpo se contonea en la butaca irremediablemente al ritmo de la música y que te llega hasta preocupar, si la secuencia dijera de alargarse mucho. Complicado no guardar en la retina muchos momentos que visualmente rompen el esquema de tu iris. Imposible no acordarse de las andaduras de nuestras protagonistas y sus diálogos mientras se nos pone el sol una y mil veces.

 Trailer

Director: Benh Zeitlin – Guión: Benh Zeitlin & Lucy Alibar – País: Usa – Duración: 91 min

“Siempre, en todas partes… todos los corazones laten y bombean… y se hablan de forma que no entiendo”. Hushpuppy.

Siempre, hay películas que te llenan hasta el último gramo de masa corporal de emociones y sensaciones. No siempre, te encuentras con filmes que te complacen a medias nada más. Otras veces, no sucede nada de lo anterior. Con Bestias del sur salvaje pasa algo parecido a lo de quedarse con un sabor medio amargo, medio sabroso. Un film poético, mágico y fantasioso, en varios momentos, pero película que su director no ha sabido aprovechar en cuanto a dirección y ritmo se merece y necesita. El director, deja, a sabiendas o no, todo el peso de la película a Huspuppy (Quvenzhané Wallis), ojito a esta preciosa niña, que se come, bebe y digiere un papel fabuloso y descomunal. Como ella misma dice: “Veo que soy una pequeña pieza de un gran, gran universo, y así es como debe ser.” Una pieza fundamental para una película independiente que no es más que eso. Cine indie “dependiente” de diálogos hermosos, de poesía que fluye por encima de aguas turbias y de una niña. El resto, Benh Zeitlin, director novel, no sabe qué hacer con ello.

Bestias del sur salvaje narra como en una olvidada y orgullosa comunidad instalada en un bayou (zona pantanosa formada por los meandros del Misisipi) apartado del mundo por un inmenso dique, la pequeña Hushpuppy, de seis años, está a punto de quedarse huérfana. Hace tiempo que su madre se fue, y su adorado y alocado padre siempre está de juerga.

Hushpuppy debe arreglárselas como puede en medio de la nada, rodeada de animales semisalvajes. Percibe la naturaleza como una frágil red poblada de cosas que viven, respiran y expelen agua y que el universo depende de que todo encaje a la perfección.

Bonita propuesta e interesante por momentos. Digna de ver una segunda vez, pero sólo por el hecho de poder volver a disfrutar del trabajo de la niña, de sus gestos, diálogos y voz en versión original. La famosa tormenta, ahoga lo que podía haber sido una grata sorpresa cinematográfica para espectadores no conformistas. Pero aún es misericordiosa y deja un poco de vida a su realizador, del que se pueden esperar grandes cosas todavía.

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“El mundo es nuestro” de Alfonso Sánchez. Una película que te hará reír hasta quebrarte por su inteligencia y acidez con la que su historia cuenta. Dos ladrones, El ‘Cabesa’ y el ‘Culebra’, un hombre que se quiere inmolar, el de la tarjeta del paro, los mafiosos… juntos todos para confeccionar una grata y triste realidad.

“Looper” de Rian Johnson. En el 2072 los asesinatos estarán terminantemente prohibidos, las víctimas serán enviadas a través de una máquina del tiempo al pasado (2042), donde los Loopers, un grupo de asesinos a sueldo, se encargan de eliminarlas y deshacerse rápidamente de sus cuerpos. Una bonita y muy entretenida historia de ciencia ficción, donde no todo es destacable, pero sí muy disfrutable y recomendable.

 “Chronicle” de Josh Trank. Otra de las grandes e inesperadas sorpresas para mí. Es fácil cuando siempre has soñado con tener superpoderes sin ser ningún superhéroe famoso. La cinta de Trank cuenta como tres jóvenes amigos de Portland se ven expuestos a una misteriosa sustancia en un bosque y, como resultado, empiezan a desarrollar increíbles poderes como mover objetos e incluso volar. Entonces deciden trabajar juntos para perfeccionar sus habilidades, pero la dificultad para controlar tan tentadores poderes les creará una serie de problemas personales. Problemas muy entretenidos.

“Cosmopolis” de David Cronenberg. Director que había metido en el baúl de los recuerdos por meritos propios suyos y que con esta adaptación de la obra de Don DeLillo –y de mismo nombre-, donde el capitalismo está a punto de extinguirse, y por la forma en la que el canadiense la ha contado, rescato de nuevo del lugar donde lo había almacenado.

No tengo quinta, porque el resto, como he dicho, no son de 2012. Pero veamos la otra lista, la de los estrenos hechos en este año que ya se acaba, y en la que encontramos algunas curiosidades, como la española “El mundo es nuestro”, que sigue estando arriba y, la impactante, conmovedora y especial “Declaración de guerra”.

“Declaración de guerra”  de Valérie Donzelli. Una pareja, Roméo y Juliette. Un niño, Adam. Un combate, la enfermedad. Y, sobre todo, una gran historia de amor, la suya… En serio, imperdible. Emocionante es poco. Hablar sobre ella es hacerte perder el tiempo que debes gastar en verla.

“Extraterrestre” de Nacho Vigalondo. Director al que se le debería de dar más bombo y credibilidad a sus obras, aunque estas sean para no creérselas, porque ya lo ha demostrado en uno de sus cortometrajes, “7:35 de la mañana” y  con sus dos películas: “Los cronocrímenes” y ésta. “Extraterrestre”, donde sus protagonistas, Julia y Julio, no se conocen, despiertan en la misma cama, después de una borrachera de la que no recuerdan nada. Él se enamorará al instante; ella, no. En esta incómoda situación, se enteran de que no pueden salir de casa porque un gigantesco OVNI flota sobre la ciudad. Como pelotas de tenis las tiene este Señor, jaja.

 “Lovely Molly” de Eduardo Sánchez (El proyecto de la bruja de Blair). Película que mezcla excelentemente el terror con el drama psicológico y un poquito de situaciones sobrenaturales, de forma que te atrapa y hiere como a la propia protagonista. Música de Tortoise y guión de Eduardo Sánchez y Jamie Nash que hacen de este trabajo un fascinante reencuentro con su director.

“Shame” de Steve McQueen. Por Fassbender, su estética, narración y resultado, “Shame” es otro de los trabajo de gran interés que este año ha podido verse. La película narra como Brandon (Michael Fassbender) es un apuesto treintañero neoyorquino con serios problemas para controlar y disfrutar de su agitada vida sexual. Obsesionado con el sexo, Brandon se pasa el día viendo páginas pornográficas, contratando prostitutas y manteniendo relaciones esporádicas con solteras de Manhattan. Pero un día aparece su hermana menor Sissy (Carey Mulligan) en casa sin avisar…