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Archivo de la etiqueta: Fantasía

Bestias del sur salvaje (2012)

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Director: Benh Zeitlin – Guión: Benh Zeitlin & Lucy Alibar – País: Usa – Duración: 91 min


“Siempre, en todas partes… todos los corazones laten y bombean… y se hablan de forma que no entiendo”. Hushpuppy.

Siempre, hay películas que te llenan hasta el último gramo de masa corporal de emociones y sensaciones. No siempre, te encuentras con filmes que te complacen a medias nada más. Otras veces, no sucede nada de lo anterior. Con Bestias del sur salvaje pasa algo parecido a lo de quedarse con un sabor medio amargo, medio sabroso. Un film poético, mágico y fantasioso, en varios momentos, pero película que su director no ha sabido aprovechar en cuanto a dirección y ritmo se merece y necesita. El director, deja, a sabiendas o no, todo el peso de la película a Huspuppy (Quvenzhané Wallis), ojito a esta preciosa niña, que se come, bebe y digiere un papel fabuloso y descomunal. Como ella misma dice: “Veo que soy una pequeña pieza de un gran, gran universo, y así es como debe ser.” Una pieza fundamental para una película independiente que no es más que eso. Cine indie “dependiente” de diálogos hermosos, de poesía que fluye por encima de aguas turbias y de una niña. El resto, Benh Zeitlin, director novel, no sabe qué hacer con ello.

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Bestias del sur salvaje narra como en una olvidada y orgullosa comunidad instalada en un bayou (zona pantanosa formada por los meandros del Misisipi) apartado del mundo por un inmenso dique, la pequeña Hushpuppy, de seis años, está a punto de quedarse huérfana. Hace tiempo que su madre se fue, y su adorado y alocado padre siempre está de juerga.

Hushpuppy debe arreglárselas como puede en medio de la nada, rodeada de animales semisalvajes. Percibe la naturaleza como una frágil red poblada de cosas que viven, respiran y expelen agua y que el universo depende de que todo encaje a la perfección.

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Bonita propuesta e interesante por momentos. Digna de ver una segunda vez, pero sólo por el hecho de poder volver a disfrutar del trabajo de la niña, de sus gestos, diálogos y voz en versión original. La famosa tormenta, ahoga lo que podía haber sido una grata sorpresa cinematográfica para espectadores no conformistas. Pero aún es misericordiosa y deja un poco de vida a su realizador, del que se pueden esperar grandes cosas todavía.

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Publicado por en 14/01/2013 en Drama

 

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Eva (2011)

  Eva

  País: España

  Duración: 94 min

  Diretor: Kike Maíllo

  Guión: Sergi Belbel, Cristina  Clemente, Martí Roca, Aintza Serra

  Reparto: Daniel Brühl, Marta Etura, Alberto Ammann, Lluís Homar, Claudia Vega

 

 

 

 

 

 

 

 

Tras ver el debut de Kike Maíllo con esta preciosa película, cada vez son más las inquietudes que ahora tengo con los jóvenes realizadores españoles. A estos, se le deben sumar los que ya llevan algunos trabajos a cuestas, pero siempre, fijándome en esos o esas que hacen de una historia, de su historia, algo tan personal, que incluso tu quieres formar parte de su propia creación. Bien en la Ciencia-Ficción como “Eva“, bien en el Terror como fue con “[REC]” o bien la independiente “Smoking Room” otras muchas más, pero por generalizar y no extenderme y si centrarme en la de esta semana.

Eva”, lejos de funcionar como debería o hubiera esperado, deseado o imaginado, es una fantasía robótica total. Es coger los avances del futuro ya presente y sus conocimientos en un viaje relámpago para marcharnos sin titubear a un época mucho más retro, que no quiere decir que en el futuro se vuelva a implantar esta moda, pero viajaremos algunas décadas atrás y Maíllo lo ha clavado. Probablemente, el mundo que nos espera de aquí a dos días… sus localizaciones, estilo, ambientación, la dirección, efectos visuales y algunas interpretaciones son sin duda alguna lo mejor de una película, que como digo, es bella técnicamente y estéticamente, pero amigos y amigas, no engancha donde de verdad hay que hacerlo. Y no por eso, jamás se debería de pensar así, una película puede dejar de gustarte o automáticamente aniquilarla si es su guión –la madre de todo- el culpable. Una película son más cosas y el cine es grande por eso –aunque parezca que me estoy contradiciendo-.

Esta visión no tan lejana del debutante Maíllo no centra en el año 2041. Donde los seres humanos viven acompañados de criaturas mecánicas. Álex (Daniel Bhrül), un reputado ingeniero cibernético, regresa a Santa Irene con un encargo muy específico de la Facultad de Robótica: la creación de un niño robot. Durante diez años de ausencia, la vida ha seguido su curso para su hermano David (Alberto Ammann) y para Lana (Marta Etura), quien, tras la marcha de Álex, ha rehecho su vida. La rutina de Álex se verá alterada de forma casual e inesperada por Eva (Claudia Vega), la increíble hija de Lana y David, una niña especial, magnética, que desde el primer momento establece una relación de complicidad con Álex. Juntos emprenderán un viaje que les precipitará hacia un final revelador.

Un final que debería de helar mucho más que su propio paisaje. Una sorpresa final que aún abriéndote los ojos para colocarte en otro nivel de intelegencia, no es capaz de lograrlo. Ni la frialdad que desde rato pasó a ser más calurosa por el magnetismo entre Eva y Alex, ni por el nivel 8 de Lluís Homar y su versión más tierna humanorobóticamente hablando, “Eva” de Maíllo funciona bien en todo menos en lo que os comentaba con anterioridad.

Claudia Vega, se come la pantalla, irrumpe, necesita ser la protagonista absoluta. Lluís Homar (xrsdf1…) espléndido. Y los tres protagonistas que tenemos entre medias de estos dos, por la edad, para mi, dejan mucho que desear. No convencen cuando tienen que hacerlo así de simple y por mucho peso que tenga Bhrül en la película. Se debería de haber trabajado más en este aspecto, pero vayamos dejándolo para ellos mismos.

Muy buena su fotografía y gran elección de la música. Esos minutos en la fiesta con Bowie de fondo, aún faltándole garra, son dulces de llevar a la boca. Como dulces las texturas de la noche, sus luces y sus sombras. El frío de la nieve, los pies hundiéndose en ella. Atrezzo y mobiliario retro/futurista y el color en líneas generales.

Ver “Eva” y dejaros robotizar. Yo que nunca me he gastado dinero en el cine español (“La piel que habito” es caso aparte), os aseguro que no es dinero malgastado, sobre todo, si te gusta disfrutar del cine.

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Publicado por en 02/11/2011 en Drama, Novedad, Sci-Fi

 

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Tokyo! (2008)

Tokyo!

País: Francia, Corea, Japón y Alemania

Duración: 112 min

Directores: Michael Gondry, Leos Carax & Bong Joon-Ho

Guión: Michael Gondry & Gabrielle Bell, Leos Carax y Bong Joon-Ho

Reparto: Ayako Fujitani, Ryo Kase, Denis Lavant, Jean François Balmer, Yû Aoi, Teruyuki Kagawa, Naoto Takenaka

 

 

 

 

 

 

 

Producción realizada a tres bandas, en la que tres directores que nada tienen que ver con la ciudad de Tokio. Se ubicarán sobre ella para escribir y dirigir cada uno de ellos, una historia donde esta ciudad es el eje central de cada mediometraje. Michel Gondry, Leos Carax y Bong Joon-Ho tienen en esta unión su propia visión de la capital japonesa.

Michel Gondry dirige “Interior Design”. El director francés nos mete en un pequeño coche junto a una joven pareja que acaba de llegar a Tokio y que muy pronto esperan encontrar un buen trabajo y un apartamento donde poder continuar sus sueños. Para eso, tendrán que salir del gran atasco en el que están metidos debido a la intensa lluvia. Estos, se instalarán mientras en casa de una amiga. Pero la fortuna correrá más de lado del chico que de la chica. Hiroko y Akira debatirán sobre la pasividad de esta primera a la hora de buscar trabajo y su comportamiento desde que llegaron. Todo esto creará en la cabeza de Hiroko confusión. Comenzará a deambular por las calles de la capital hasta empezar a experimentar unos cambios y sentimientos, que un principio la aturdirán, pero que terminará por acomodarse y darse cuenta para lo que realmente sirve y finalmente desea ser.

Por supuesto, un idílico cuento en el que Gondry hace de las suyas y el espectador disfruta casi atónito de ellas.

Leos Carax – apartado de la escena desde 1999- el otro director francés de este proyecto. Se muestra grosero con “Merde” –su historia- y con los ciudadanos de Tokio, principalmente, como con cualquier otro ser humano que habita el planeta. La irrupción en la ciudad de una desagradable criatura surgida de las alcantarillas y que aterroriza a su paso a quien se lleva por delante esconde más que un simple giro cómico y grotesco al filme.

Merde –así se llama el protagonista- (Denis Lavant) es una criatura a la que le repugna todo ser humano. No quiere compartir nada con ellos, no los quiere, no les desea nada más que la muerte. Y para eso, ya tiene el la solución y manera de acabar con cualquier atisbo de porquería humana andante. Merde se alimentará de flores y dinero pero en billetes. Merde – el personaje -, es mejor aún que la propia historia de Carax. Un papel a la vez que irrisorio, tremendamente complicado, extraño y auténtico.

Y para terminar. Nos vamos a la historia del surcoreano Bong Joon-Ho, “Shaking Tokio” que presenta la parte más poética y edulcorada – creo que no podía ser de otra manera- una historia de amor entre un ciudadano que lleva diez años recluido en su propia casa, y una repartidora de pizza que irrumpe sorpresivamente en su vida rutinaria.

Tereyuki, el hombre encerrado en casa y que cuida su hogar con una simetría brutal. Decidió alejarse de toda civilización (curioso cuando en Tokio hay masificación humana descomunal) y con el sobre lleno de dinero que el padre le envía cada mes, subsistir en su nuevo mundo. Su literatura, sus pizzas y la manía de no mirar a la cara a la repartidora de pizza. Hasta que un movimiento de tierra hará que sus miradas se crucen en el mismo momento que se intercambian comida por dinero. Todo cambiará desde ese momento.

Joon-Ho con su excelente destreza tras la cámara nos atrapa como a nuestros personajes en sus casas. La soledad entre millones de personas, nos bofetea, apabulla y desconsuela. Genial relato magníficamente dirigido e interpretado. Belleza visual y argumental.

Tokio para serviros tres historias muy curiosas, de tres mentes a las que la ciudad les motiva de formar dispar.

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Publicado por en 03/09/2011 en Drama

 

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Rosa – Cortometraje made in Spain de Ciencia-Ficción –

Jesús Orellana, dibujante de cómics y cineasta independiente. Es el creador de ROSA, un corto de ciencia-ficción realizado en animación CG.

El corto, de 8’35” de duración, fue hecho sin presupuesto y tan solo por Jesús Orellana el pasado año. En estos momentos, el cortometraje y su crador se encuentran en pleno proceso de auto-distribución por festivales de todo el mundo. Ya se ha estrenado en el SIFF de Seattle y en el WSFF de Toronto y a lo largo del año podrá verse en festivales como Screamfest, Anima Mundi o Fantasia.

Sólo tenéis que verlo y sacar conclusiones, que es exactamente lo que he hecho yo. Pinchar para ver  el trailer y flipar, literalmente, de un trabajo asombroso que ardo por verlo. Calidad, maestría, belleza y un mundo de sueños (el que se puede uno crear dentro de si mismo), con un prometedor realizador, que personalmente, me ha dejado fascinado.

Toda la suerte para Jesús, que desde Cinema Undreground,  le damos el empujón necesario.

 

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Rosamovie

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La dulce mano de la rosa blanca – Davide Melini (2010)

La dulce mano de la rosa blanca

País: Epaña

Duración: 16 min

Dirección y guión: Davide Melini

Reparto: Carlos Bahos, Natasha Machuca, Leocricia Sabán

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

¿Cuántas veces has tenido un mal día? ¿Cuántas veces has pensado huir de todo y de todos? Eso es exactamente lo que le pasa a Marcos. Para olvidar una acalorada discusión con su novia, decide coger su coche y marcharse lo más lejos posible. Pero un pequeño despiste cambiará su existencia para siempre…

Despiste que no dejará de traer tragedias a casa nunca. A eso, le sumamos unos grados de alcohol y nos encontramos con un resultado bastante trágico, terrorífico y fantásticamente dirigido por Davide. Un cortometraje con estilo, clase y calidad que está dando mucho que hablar en festivales, consuiguiendo grandísimos premios y reconocimiento y que lo seguirá haciendo donde se proyecte.

Si me adentro en “La dulce mano de la rosa blanca”, supone ir cogido de una inteligente y preciosa música hasta su final, hasta el más amargo y doloroso aspecto final en que uno se da cuenta, piensa o imagina, que igual no somos quienes creemos ser, o directamente, no estamos en ningún lugar salvo si es con un aspecto de “alma”. Davide, escritor y director a su vez, realiza un fenomenal trabajo tras la cámara, con planos dulces (como la mano) y maestros (véanse las secuencias de la niña en el parque) desde el primer minuto. Gran trabajo, muy bien desarrollado que se vuelve a quedar plasmado en su tramo final. No es y todo hay que decirlo, nada nuevo, pero se agradece el trabajo de Melini como el de millones de directores, que quieren sacar o firmar para el público (o ellos mismos principalmente), sus inquietudes y visiones, del tema que quieran abarcar.

Hacer mención especial a su música, una delicia. Y una mención negativa, las voces de los actores que para mi son el gran fallo de este trabajo. Por lo demás, un cortometraje muy digno y que se merece todo lo que está recogiendo.

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Último premio recogido (2º mejor trabajo independiente del año en Indie Horror.it)

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Publicado por en 06/03/2011 en Dvd, Terror

 

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El viaje de Chihiro (2001)

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El viaje de Chihiro

País: Japón

Año: 2001

Duración: 125 min

Dirección y guión: Hayao Miyazaki

 

Continuando con el especial (está saliendo así) sobre Miyazaki, le toca al turno a El viaje de Chihiro. Es posible también, que empecéis a tomarme por pesado y necio cuando hable del cine de este señor, pero la soberbia cae por su propio peso. Vaya maravilla se marcó allá por el 2001, cuando dijo de estrenar esta pieza única de la animación. Una obra maestra llena de fantasía, oneirismo, diversión, magia, amor y sobrecogedora. Yo ya le tengo un pedestal preparado a Miyazki y a toda su obra aquí, en mi rincón dedicado al cine. La verdad es que me quedo sin adjetivos y palabras raras y bonitas que puedan salir de mi cerebro para describir la genialidad y maestría de este japonés, dueño y señor de la mejor animación que existe en al actualidad y probablemente, que exista jamás. Es duro decirlo o pensarlo, pero cuando Miyazaki desaparezca, dejará tras de sí un legado imposible de superar.

No sé si los que suelen visitar (algunos si) Cinema Underground son degustadores de la animación y concretamente, de la animación venida del país nipón, pero dejaré mi propia historia, mi veredicto sobre “El viaje de Chihiro” aunque esté todo escrito ya sobre ella.

Todos conocemos a Chihiro, una niña que sin querer ha entrado en un mundo habitado por dioses antiguos y seres mágicos, dominados por la diabólica Yubaba, una arpía hechicera. Pero afortunadamente, Chihiro se encuentra con el enigmático Haku que le ayudará a sobrevivir en esta extraña y maravillosa tierra. Chihiro se traslada a su nuevo hogar junto a sus padres, pero el padre se pierde apenas a unos metros de su nuevo lugar de descanso, donde se encuentran con un oscuro túnel. Cruzar el túnel supondrá un giro  de 180 grados para sus vidas, y para nuestros sentidos.

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El primer contacto con ese nuevo mundo que hay tras el túnel, será enigmático, muy diferente y a la vez tentador. Chihiro verá como la agonía de sus padres, hace que se conviertan en unos gigantes y hambrientos cerdos, desconcertando a la niña, y dejando patidifuso al espectador. Cinco minutos son suficientes, para que Miyazaki comience, suavemente, a empujarnos en un mar de intensos e increíbles colores, magias negras, situaciones surrealistas y quien sabe, si un nuevo estado de tu mente más libre e imaginativa que nunca. Chihiro, aturdida, asustada y descolocada, continuará vagando por el pueblo hasta dar con un puente que une a dicho escenario, con un gigantesco y sorprendente lugar de descanso, donde dioses antiguos y seres mágicos, pasan sus horas entre baños termales y grandes comilonas.

Chihiro y gracias a la estimable ayuda de Haku, comenzará una nueva vida en esta residencia donde los humanos, son un excelente primer plato para degustar, por lo que deberá hacer caso en todo momento y, esconderse de prácticamente todo el mundo, para no ser zampada a las primeras de cambio. Chihiro y siempre con la finalidad de poder recuperar a sus padres de la maldición que les ha hecho convertirse en cerdos gigantes, luchará hasta el último suspiro de su vida, gastará hasta la última gota de su piel y pasará mil penurias hasta poder volver a la realidad.

Se me vienen a la cabeza cosas sobre la infancia de Miyazaki, sobre sus sueños y sus ganas de divertirse y sentirse bien. Como también, la vida de más adulto y su empeño por contarnos cosas que están solamente dentro de las mentes más soñadoras. Su animación se caracteriza por extensos pasajes de enorme belleza, soledad, silencio y una realidad dentro del oneirismo, brutal. Sus películas son la mejor droga para evadirte de todo y todos. Sus historias son laboriosas y de una magnitud extraordinaria, que yo, hasta ahora no había descubierto, pero de las que ya no me puedo desenganchar.

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Publicado por en 15/02/2010 en Animación, Cine de Autor, Dvd

 

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Ponyo en el acantilado (2008)

Ponyo en el acantilado (Gake no ue no Ponyo)

País: Japón

Año: 2008

Duración: 101 min

Dirección y Guión: Hayao Miyazaki

La última obra maestra (porque no se le puede llamar de otra forma) de Hayao Miyazaki es sobre una pececita bastante curiosa llamada Ponyo. Y digo obra maestra tan rotundamente, así, nada más empezar, porque francamente. Ni el director ni su último trabajo, merecen estar rodeados de otras palabras.

Decir y aunque parezca mentira, que solamente he visto Mi vecino Totoro y Ponyo en el acantilado del Señor Miyazaki, pero me ha sido suficiente, como para darme cuenta de la calidad tan magnánima, que hay en el cine que suele hacer este peculiar y magistral director japonés.

Ponyo en el Acantilado me ha cautivado por su técnica, fascinado por sus dibujos, maravillado por sus trazos a lápiz y por supuesto, arrodillado a sus pies, por hacerme navegar durante cien minutos, por un mar lleno de sueños y fantasía. Así sería mi resumen sobre Ponyo en el acantilado, así de fácil y tajante.

Ponyo en el acantilado narra la curiosa historia de amor y amistad entre un niño llamado Sosuke y una curioso pez hembra rojo con poderes mágicos llamado, en este caso llamada, Ponyo. Cuando el niño la rescata de entre la basura del mar, Ponyo decide que quiere convertirse en humana y estar siempre al lado de Sosuke a pesar del temor y la negativa de su padre: un hechicero del mar.


Miyazaki y su manera de ver y entender el mundo, nos invita a viajar junto a Ponyo y Sosuke de una forma muy singular. En primer lugar, iniciaremos nuestra aventura por un mar de tormentas e incertidumbre bastante sorprendente. Y en segundo lugar, su  billete para sumergirnos en una auténtica travesía llena de amor y esperanza. A lo largo del metraje, somos absorbidos por una magia inesperada, creo que debido a su impecable realización, a sus personajes tan carismáticos e interesantes, y por sus momentos tan trepidantes y divertidos que llenan el film de principio a fin. Somos absorbidos por su aplastante realidad del mundo en el que vivimos, donde queda bien claro y con muchísima autoridad, lo que realmente es importante en este mundo y lo que de verdad, se le debe de enseñar a los niños.

Pero para terminar, quiero sacar unas cuestiones a la palestra sobre este cine y su director. Una serie de cosas, que me empiezan más que nunca  a rondar la cabeza un día tras otro. Y es tan fácil, como decir que estoy disfrutando con estos dibujos, animación o arte, lo que de chico no hice ( eso seguro) Me pregunto entonces, porque no entiendo, ¿cómo puede Miyazaki?, profundizar tantísimo en sus historias y llegar hasta el punto de dejar boquiabierto al espectador. Está claro que es un cine no apto para todo el mundo. Qué hay mucha gente que no disfruta viendo este tipo de films, si acaso los llaman así, qué es muy probable que haya mucha gente que no tenga el más mínimo interés en ponerse una película de este género (no saben lo que se pierden). Y que habrá mucha gente, que tildará rápida y tontamente a este tipo de cine, como un producto hecho expresamente para niños. Pero os puedo asegurar, que dándole una sola oportunidad al cine de Miyazaki, qué es el que nos ocupa, todas esas incertidumbres y repugnas, desaparecerán al instante.

No estoy descubriendo nada nuevo, ni subiendo al pedestal más alto a un señor que lo es todo en el mundo de la animación. Pero si quiero, unirme a ese grupo de gente que adora el cine del nipón y que lo tienen como un absoluto genio.

Ponyo en el acantilado se ha convertido en una de mis películas favoritas.

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Publicado por en 16/01/2010 en Animación, Dvd

 

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