A Field in England (2013)

Bajo los efectos de los alucinógenos nunca será real lo que se percibe. Nunca palparás con total nitidez lo que se cruza ante tus ojos. El estado mental después de ingerir ciertos tipos de sustancias hace que la mente trabaje a otro ritmo, que te haga confundir situaciones, comentarios… pero también te ayuda a no sentir la pesadez de tu cuerpo, que se ha ido flotando a otro lugar, dejando así tu alma libre de cargas y a total disposición de la imaginación. Entonces, es cuando puedes estar en varias habitaciones actuando a la vez, haciendo cosas que crees no haber hecho una vez que te miras en el presente y visualizas el pasado, o, simplemente, volar como las mariposas, sin hacer ruido ninguno y viendo la vida brotar entre grises y fuertes colores que inundan tu ser.

El último trabajo del inglés Ben Weathley hasta el momento es lo más arriesgado y experimental que ha hecho. Nada que ver con Kill List, Sightseers (Turistas) o Down Terrance. Con cuatro duros (rodada en 12 días y con 300.000 libras) y cinco personajes, se inventa una historia en blanco y negro que te llevará, porque está claro que debes de subirte al carro de la extraña narración y sujetarte bien fuerte a ella y esperar para ver donde te llevará -con una propuesta tan inquietante como ésta, como para no hacerlo-, o hasta que el espectador vea oportuno. Sin aparente sintonía entre sí, concordancia o  estructura argumental alguna, vemos pasar los minutos ante nuestros ojos, cada vez más débiles y expuestos a la sobredosis de un olor que rezuma en nuestros pies, y nuestro cuerpo, que con  el paso del metraje y las vivencias de nuestros protagonistas, se alejará más de una realidad que parece ser, dejó de existir tiempo atrás.

A field en England se desarrolla en la Guerra Civil. Nuestro nuevos amigos, que nos conducirán hasta la tierra de la libertad fílmica, tropiezan con un alquimista quien les propone encontrar un tesoro oculto en un campo no “demasiado” lejos de donde se encuentran. El problema reside en que el tesoro puede no ser tal tesoro y las misteriosas energías que rodean la campiña comienzan a hacer mella en la moral y la cordura del grupo.

Con esta simple premisa, caminaremos y caminaremos durante largos minutos, pero ese tesoro no tesoro, echará a andar mucho antes de que nosotros nos demos cuenta y para entonces, Weathley nos habrá disparado infinidad de veces hasta hacernos caer expuestos a cualquier muerta digna del mejor final enfermizo y bizarro. Y es que no es hasta pasada la mitad de la cinta, si seguías subido al carro, cuando empezamos a darnos cuenta de que somos uno más de estos guerrilleros en busca también de una cerveza que nunca llegará, pero lo más grave, es que seremos participes también de terribles y trágicos sucesos perjudiciales para la mente.

Weathley, en el tramo final, principalmente, hace un despliegue en plan animal de cualidades cinematográficas como cualquier maestro de este arte, seduciéndonos con un poderío visual y sonoro apabullante, e impregnándonos más aún, de la alucinante y malsana droga que baña todo su trabajo de principio a fin. Más entendible o no (eso cada uno se la masca como sepa o quiera), esta propuesta inclasificable es tan bella como arriesgada. Tan enigmática como sugerente. A Field en England no se anda con medias tintas y tienta a todo espectador a un viaje hasta ahora desconocido y terriblemente seductor.

Quedarse congelado unos segundos sin previo aviso, como si de un retrato se tratara. Morir, renacer, gritar, matar, buscar… Todo un batiburrillo que a mí personalmente, me ha agradado y seducido.

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Mini reseñas – «El Castillo ambulante», «Porco Rosso» y «La princesa Mononoke» –

Mientras llega la oportunidad de ver The wind rises en su estreno cartelero (hay que despedirse a lo grande) y el tener que volver a emocionarme con una nueva genialidad del gran maestro de la animación y del séptimo arte, os dejaré unas mini criticas de tres joyas imperdibles, que ya habréis visto muchos de vosotros/as, pero son los tres últimos trabajos que he visto del realizador japonés, y como amante a sus historias, no podían faltar en este blog.

El Castillo ambulante narra la historia de Sophie, una joven sobre la que pesa una horrible maldición que le confiere el aspecto de una anciana. Sophie decide pedir ayuda al mago Howl, que vive en un castillo ambulante. Pero tal vez sea Howl quién necesite la ayuda de Sophie.

Aquí, Miyazaki, en plan animal, abre su mente y deja salir tal nivel de fantasía e imaginación que varias horas después incluso de su final, el espectador seguirá perplejo, anonado, impresionado y noqueado. El derroche de color, sus secuencias inimaginables, las situaciones y paisajes oníricos (difíciles también de imaginar si no es en alguno de tus mejores sueños), son de una absoluta y enorme maestría que sólo puede hacer un Señor.

No se da crédito al espectáculo que nos arroya. No hay espacio para asimilar ciertos aspectos. No hay momento para no dejar de alucinar con esta bellísima película. Es aconsejable e imprescindible dejarse llevar, porque el resto es puro amor y sueños de otro calor. ¡¡Miyazaki es Dios!!

Porco Rosso, una película donde una nube estelar se llevará nuestras aventuras vividas, amores y amigos de un pasado, gracias a la invitación de Miyazaki a un paseo por su cielo (plató) tan querido, lleno de emoción, intriga y pasión. Ternura, amores difíciles de creer, aviones, suspiros y esperanzas en un trabajo sencillamente fantástico.

En un periodo de entreguerras. Porco es un cerdo aviador que frustra todos los actos de piratería perpetrados por los piratas aéreos del Adriático. Éstos, decididos a acabar con el valiente y hábil aviador, se ponen de acuerdo para contratar a un aventurero americano cuya misión será eliminarlo.

Porco nos hará sentirnos pilotos de su propio avión de guerra. Porco nos sacará ese romanticismo de nuestro interior y vivir un largometraje como actores principales. Miyazaki vuelve a bordar un excelente episodio más de su grandilocuente carrera.

Recuerdo el año de su estreno, pasar por delante de un cine vitoriano, ver el cartel y quedarme extrañado al ver una película de dibujos en la cartelera. Yo ni idea de lo que era, ni quien era el director, ni nada. Iba camino de otro cine y otra película. Aquella tarde vi Out of sight (Un romance muy peligroso) de Steven Soderberg, que me gustó mucho, pero que tampoco esperaba. Hoy, si pudiera volver a aquel día (año 1998), elegiría sin lugar a dudas la impresionante y mágica La princesa Mononoke. Eran otros tiempos para mí. Comenzaban a forjarse mis cimientos cinéfagos y hasta el día de hoy.

 La princesa Mononoke cuenta como con el fin de curar la herida que ha causado un jabalí enloquecido en el joven Ashitaka. Éste, sale en busca del dios Ciervo, pues sólo él puede liberarlo del sortilegio. A lo largo de su periplo descubre cómo los animales del bosque luchan contra hombres que están dispuestos a destruir la Naturaleza.

A lo largo de dos horas y cuarto seremos compañeros de Ashitaka cruzando montañas, ríos, pueblos, batallas, personajes inolvidable y entrañables y lugares idílicos. Durante estas más de dos horas de metraje, presenciaremos un precioso poema de amor a la naturaleza, a la vida, al reino animal, y también, a la increíble ambición del ser humano, por conseguir lo que sea y como sea (quedará vulgar, pero es así de rotundo). Miyazaki con esta obra me rompió en pedazos. La emoción contenida no podía pesarme más. Lo sobrenatural se mizo real. La magia me absorbió. La princesa me cautivó.

Hayao Miyazaki

HayaoMiyazaki.es

Estudios Ghibli (página oficial)

Generación Ghibli (página española)

Miyazaki movies

 

El Castillo en el cielo (1986)

En 1986 -leéis bien-, dos años antes de la obra maestra Mi vecino Totoro (1988) y posterior a obras de indudable genialidad como: Lupín (serie), El castillo de Cagliostro, Nausicaä del valle del viento, o Sherlock Holmes (serie), Miyazaki, el Dios Hayao Miyazaki. Porque si en alguien hay que creer, es en este Señor y sus historias. Se sacó de la manga una bella historia de acción y emoción que transcurre en un cielo bello por su simpleza y silencio, y en una tierra escarpada con trepidantes caídas a vacíos llenos de vida, llamada El Castillo en el cielo. Con este Señor es imposible decir eso de: “ya por entonces…”, porque todo lo que ha hecho se ha convertido en oro puro. Algunas de sus películas como trabajos para los estudios Ghibli no son del mismo calibre, no están a la altura, por ejemplo; de El viaje de Chihiro (2001) o La princesa Monoke (1997) –aún sin ver–, pero es innegable la facilidad para hacer de lo simple, una fascinante e imborrable historia que perdurará para siempre en lo más profundo de tu ser.

El Castillo en el cielo narra como una aeronave se desliza sobre un mar de nubes, en una noche de luna llena. Muska, un agente secreto del gobierno, acompaña a una chica llamada Sheeta a la fortaleza de Tedis. Repentinamente la nave es atacada por los piratas que, al igual que el gobierno, buscan el secreto de la piedra mágica de levitación que Sheeta lleva alrededor del cuello. La piedra es la llave que abrirá las puertas de La fortaleza celeste, una isla flotante en medio del cielo creada por una misteriosa raza que hace mucho tiempo desapareció del planeta. Pazu, un joven muchacho, se hace amigo de Sheeta, le ayuda a escapar de sus seguidores y juntos se disponen a resolver el misterio de la fortaleza celeste. Cuando Sheeta y Pazu inician su viaje hacia la fortaleza celeste, ponen en marcha una cadena de acontecimientos irreversibles. En este misterioso lugar encontrarán un tesoro mucho más grande que el poder de gobernar el mundo.

Sheeta y Pazu serán nuestros guías a un nuevo mundo de tranquilidad, armonía, silencio roto por algo más hermoso que el propio sonido de la nada y a unas raíces, que perfectamente pueden ser las -son- raíces de la vida, el amor y la paz. Esta parejita de jóvenes a través de su aventura por tierra y aire, nos harán vibrar, disfrutar y emocionarnos hasta el punto de sentir ser una nota musical más de una conmovedora banda sonora y, parte de Lupuntu –la citada fortaleza celeste. Y es que Lupuntu, esta isla flotante entre nubes, será otra de nuestras obsesiones. Será nuestro idílico retiro cuando la edad sólo nos permita disfrutar y no preocuparnos de nada.

El maestro, el inigualable, el Dios Miyazaki, de una simple historia de bandidos, persecuciones y una piedra con poderes más que inimaginables, nos demuestra ser capaz de pulir cualquier historia hasta el punto del delirio emocional. Su cabeza, que a saber por dónde ha pasado, es única para juntar a pequeños y no tan pequeños espectadores, y arrancarles sonrisas, palmadas y, un brillo en los ojos diferente a todo. Es este brillo el que puede explicar sin palabras las sensaciones que a uno se le quedan cuando ve trabajos de este japonés Rey de la animación mundial.

Es por eso que, El Castillo en el cielo, siendo una historia mucho menos compleja que otros trabajos suyos, por ser del año que es –esto es lo que me deja patidifuso– y, por ser tan directa, divertida y apasionante, la convierten en otra pequeña joya del cine.

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Spring Breakers (2012)

Ha costado tiempo tanto el poder volver a ver una película en pantalla grande de este grande, como el ponerme a escribir sobre dicho último trabajo. Como siempre, bien el tiempo, la cabeza o la estimulación, pero aquí está mi pequeña reseña sobre “Spring Breakers”, esa cinta visualmente rompedora, polémica por ciertos apuntes, pero, y creo no estar equivocado, que (y es una lástima), no está a la altura de lo esperado, o por lo menos y para mí, de sus predecesoras, como “Gummo” o “Mister Lonely”. No con esto quiero ya descafeinar la vuelta al trabajo de uno de los mejores directores jóvenes que existen, todo lo contrario, darle las gracias por su siempre visión tan cruel, real y enfant terrible de nuestra sociedad.

Harmony Korine vuelve a levantar hábitos y bajar calzones sin medias tintas. Para bien como para mal. Para el disfrutar de unos o el aburrimiento de otros, su nueva película es el real y fiel retrato de una edad en concreto de nuestra juventud que rompe las barreras para hacer de su ansiedad por la fiesta, una carrera sin censura ni límites. Playa, música drogas, alcohol y mucha carne libre de ropa, más para el disfrute de chicos, que para el de las chicas. Spring Breakers, vacaciones primaverales locas, es el nuevo artefacto de este ingenioso y revoltoso director que no dejará indiferente a nadie.

Sus cuatro atractivas estudiantes y protagonistas principales (Selena Gomez, Vanesa Hudgens, Rachel Korine y Ashley Benson) planean reunir dinero para el viaje de vacaciones de primavera atracando un puesto de comida rápida. Hacer hincapié en la formidable dirección de Korine, que en esta secuencia del robo, deja patente ser más que un experto en la materia, dejándonos parte de lo mejor de todo el metraje. Pero esto será sólo el principio de un viaje más que loco, un viaje que traspasará lo salvaje en muchas de sus situaciones. No sólo se tratará de fiesta. Durante una noche -de fiesta-, las chicas son arrestadas con cargos por drogas. Con resaca y vestidas sólo con sus bikinis, comparecen ante un juez, pero son liberadas inesperadamente por Alien (un casi irreconocible James Franco), un infame matón local que las toma bajo su ala y las llevará a la vacaciones de primavera más increíbles e inolvidables de su vida.

No hace falta a estas alturas remarcar nada, ya que todos/as probablemente hayan visto la película o al menos el tailer, pero con una premisa tan gorda, a ver a quien no se le cae la baba y erizan los pelos por ver esto. Sólo su comienzo, a cámara lenta y con una remezcla del fantástico tema de Skrillex “First of the year (equinox)”, donde se nos ponen los dientes y… (ejem) más largos que a un hamster, en el que se puede ver lo que les espera a nuestras protagonistas hambrientas de fiesta en esa spring break de Florida, es para guardar bajo llave de oro y en un cofre  que se hará inexpugnable.

Un guión soso por momentos, pero con una dirección sobria, hacen que la película no caiga del todo en el temido aburrimiento y desesperación que provoca a ratos. Su música, hip-hop y electrónica, como la alternancia de saltos en la historia para ir viendo un antes y un después de lo que se nos cuenta, sumado al brutal estilo (colores, saturación de imágenes, cámara lenta…) que ha impregnado en la dirección Harmony korine a su nuevo trabajo, la convierten en un producto ni perfecto, ni malo, sólo en algo muy disfrutable, para pasar un buen rato y no pensar en nada más, ni durante ni después. Bueno, después se puede pensar en muchas cosas.

Había muchas ganas de que volviera y ya lo ha hecho. Con mayor o menor acierto, pero este gran escritor y director ha vuelto a poner las cosas en su lugar. Ya tenemos Harmony Korine para otro tiempo (esperemos que no mucho). Difícil será olvidar esa segunda fiesta de spring breakers donde las caras pierden su forma como si de photoshop animado se tratara, donde tu cuerpo se contonea en la butaca irremediablemente al ritmo de la música y que te llega hasta preocupar, si la secuencia dijera de alargarse mucho. Complicado no guardar en la retina muchos momentos que visualmente rompen el esquema de tu iris. Imposible no acordarse de las andaduras de nuestras protagonistas y sus diálogos mientras se nos pone el sol una y mil veces.

 

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Kill List -Terror psicológico del gordo –

Una de las películas proyectadas en Sitges`11 y que un principio tenía elegida para ver, pero que finalmente aborté.

Después de ver el trailer un mes después, sólo deseo verla cuanto antes, porque acojona y de verdad.

Kill List escrita por Amy Jump y el propio director, Ben wheatley. Narra la vida de Jay, un ex-soldado convertirdo en asesino a a sueldo, que ocho meses después de un desastroso trabajo realizado en Kiev y con cicatrices físicas y psicológicas, es presionado por su compañero Gal para aceptar una nueva misión. A medida que se andentra en el oscuro e inquietante mundo de su nuevo encargo, el miedo y la paranoia se apoderará de él y será abosirvido por el mal, literalmente.

 

Another earth (2011)

País: Usa —  Duración: 92 min — Director: Mike Cahill — Guión: Mike Cahill & Brit Marling — Reparto: William Mapother, Brit Marling, Matthew-Lee Eearlbach.

Me acerqué a la sala de cine a ver “Another earth” por el simple hecho de ver algo más? O, verdaderamente, fui a ver la película por su poderosa atracción e imantado quedé pegado a la butaca? No sabría bien decir la causa, pero si las ganas de que ese planeta, como digo, me atrapara, abriera la mente y viera lo que hay dentro de mi. Que diseccionando mi interior, me diga si de verdad éxito o soy un espejismo de alguien o algo reflejado en la gran distancia a la que nos encontrarnos de cualquier otro tipo de vida o de la nuestra propia.

Se dice que es la nueva hermana de “Primer”, “Donnie Darko” y “Moon”. Y para puestos en el tema, imaginaréis por dónde van los viajes… de la protagonista en este otro planeta o este mismo. Pero para aclararos las cosas según leéis estas líneas, ya os digo yo, que ni hermana, ni prima y se me antoja que ni amiga. Por raro o irónico que parezca, aquí no hay viajes como los podía haber o imaginar el propio espectador en las obras de culto que he mencionado con anterioridad. El poster de la película seduce más de la cuenta, porque esa gran bola azul llamada tierra, no sé si nos vigila o a saber que función realmente desempeña. Pero para seducción, su sinopsis, que hizo que me crecieran los dientes hasta parecer un castor.

No llegué a tiempo cuando hubiera estado bien ver su proyección. Mi viaje, por problemas en los motores de arranque y un fallo en el sistema de encendido de la mesa central, me hizo que mi paseo por Sitges pasara sin dar una vuelta al planeta, a ese otro planeta. Pero visto lo visto, nunca está de más un contratiempo eléctrico/mecánico cuando decides de emprender una aventura de tal envergadura y resulta ser finalmente, un viaje poco interestelar, apenas o casi nada, en el tiempo, o, de pocos metros espacio/tiempo. Y claro, sé esto, porque con otra máquina que si que funciona he sido alertado de la fatalidad del viaje.

Rhoda Williams (Brit Marling), la protagonista de “Another earth”, es una brillante joven que acaba de ser aceptada en un programa de astrofísica del MIT, aspira a explorar el universo. John Burroughs es un compositor que acaba de alcanzar la cima de su carrera, y está a punto de ser padre por segunda vez. En la víspera del descubrimiento de un Planeta Tierra duplicado, una horrible tragedia altera irrevocablemente y entrelaza la vida de estos dos extraños. Cosa irremediable e irrefutable es la irrevocable y entrelazada vida de nuestros dos personajes principales. Porque Mike Cahill y Brit Marling se encargan de ello y dejan bien claro, que es lo que realmente les importa y donde vuelcan todas sus fuerzas con la escritura del guión, olvidándose de lo más esencial, lo más necesario, lo primordial, el porqué de ir yo a verla, el porqué de nombrarla hermana de “Primer”, “Moon”, etc.

Pero no todo es fallido en este viaje de cartas negras. Queda lo mejor para el final. Esa música a cargo de Fall your on sword, impresionantemente buena y recomendable que sumada o unida a la magistral dirección de Cahill, salvan este planeta de la ruina. Mención especial para una banda sonora o score, que hará las mil y una delicias de los amantes a la música, la boca agua a los investigadores de nuevos sonidos y se les pondrán los ojos como platos a aquellos que cada nota la sepan coger y enlazar con cada secuencia del film que Mike nos da, nos regala, nos hace deleitar. Porque si de verdad haya algo sobresaliente aquí, son sus secuencias, planos, texturas, estilo y la música. Para chuparse los dedos.

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T is for Tranny – Las juergas con drogas…-

Una de las bizarradas que a concurso se prensentan en el espectacular The ABCs of Death – 26 directores, 26 maneras de morir – es este «T is for Tranny«. No hay más información que el video y la opción de votarlo, bueno, si, el raparto de estrellas, por favor!

Desperdicio de tiempo que vais a gastar? verlo, no ser perezosos. Por supuesto, quiero opiniones, jaja.

 

 

Beyond The Black Rainbow (2010)

  Beyond The Black Rainbow

  País: Canadá

  Duración: 110 min

Dirección y Guión: Panos Cosmatos

  Reparto: Michael Rogers, Eva Allan, Scott Hylands, Marilyn Norry

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Los viajes psicotrópicos/alucinógenos en el cine son probablemente los más duros, inolvidables y cicatrizantes que cualquier otra gilipollez que se le pueda al humano ocurrir hacer o… tomar. Pero eso si, deberíamos –aunque perdería la gracia e interés- ser avisados de la película de Ciencia-Ficción que vamos a presenciar. Posiblemente y sin fisuras, sacarían de nuestra mente hasta la última gota que pueda servirnos para el perfecto riego cerebral.

Beyond the black rainbow es ciencia-ficción retro, porque sus colores la delatan aparte de embobar. Beyond…. es experimental por su planteamiento que te atrapa y del que difícilmente podrás escapar. Sus transparencias son sólo eso, transparencias de una maravillosa e impecable majestuosidad que personalmente, me dejaron prendado. Nada es lo que parece, puertas que no existen, ahora se abren ante tus ojos haciéndolos duramente excépticos a lo que ven. El exterior creemos que está dentro de alguna forma que a su vez se desforma. El viaje al que somos sometidos viene acompañado de colores que nacen a raíz de otros. Bañarán nuestros cuerpos, porque cobran vida. Se saldrán de la pantalla e inundarán la sala con mezclas oscuras, brillantes y radiantes que jamás antes hayas visto ni el cuadro más inimaginable.

Beyond the black rainbow es silencio y música oscura a la vez. Una potentísima y lóbrega música que hará las mil y una noches en el paraíso sonoro de todo aquel que se deje llevar y fascinar por sonidos asombrosamente envolventes y rompedores. Y ese silencio del que os hablo, te llenará los oídos de figuras que crearás a tu gusto. Un silencio que se engrandece hasta tragarte. Una vida junto a Allan (nuestra protagonista) que te sumirá en lo más lejano de tu mente.

Panos Cosmatos, el creador de esta genialidad, nos muestra el poder interno del ser humano. Y nos mete en lo más profundo del misterioso instituto Arboria, una hermosa y perturbada chica llamada Allan, está cautiva por un medico en busca de su paz interior. Su mente está controlada por una siniestra tecnología. En silencio, ella espera por su próxima sesión con un trastornado terapeuta, el Dr. Barry Nyle. Si quiere escapar, deberá adentrarse por los rincones más oscuros del instituto, pero Nyle no dejara escapar fácilmente a su creación con más talento y la más peligrosa también.

Panos Cosmatos y su idea de la felicidad eterna en una vida paralela, es su píldora a digerir en una película increíblemente fascinante, hipnótica, poderosa y repleta como anteriormente he dicho, de formaciones abstractas y un colorido de textura saturada. Su belleza asombra, su técnica inquieta, su resultado final es para espectadores fuertes y exigentes. La película puede matarte de la forma más aguda que puedas imaginar, como son los poderes de Allan y su impresionante trabajo y hazaña.

Acaba la película, un baño de agua bien fría es el mejor antídoto para salir a la luz de la noche y deglutir las horas que no sabes bien donde realmente has estado. Panos Cosmatos se ha convertido en un dios y al que le doy las gracias, rotundamente, por este más allá…

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Underwater Love (2011)

  Underwater Love (Onna no kappa)

  País: Japón/Alemania

  Duración: 87 min

  Director: Shinji Imaoka

  Guión: Shinji Imaoka & Fumio Moriya

 Reparto: Sawa Masaki, Yoshirô Umezawa, Ai Narita, Mutsuo Yoshioka

 

 

 

 

 

 

 

Durante la proyección no dejaba de preguntarme lo terriblemente feliz que son y viven los japoneses. Un país que produce películas de la talla y categoría de “Underwater Love”, no puede nada más que presumir de bienestar, amor a la vida y de ser los creadores de las historias más, sino auténtica, diferentes y bizarras del celuloide, pero sin olvidar algunos otros fuera de aquí. Esta vez, lejos de su pasión que tienen muchos directores nipones por el cine extremo y visceral, Shinji Imaoka, director de esta locura musical y sexual (un pinku-eiga musical como defienden sus creadores), apuesta por una historia carnal, pero lo único que veremos abrirse, son las piernas de las chicas y un amor pasado en la mente de nuestra protagonista.

Shinji Imaoka junto a Fumio Moriya cuentan como Asuka, una joven treintañera, trabaja en una fábrica de pescado junto a un lago. Cuando la fecha de la boda con su jefe Taki se halla próxima, encuentra un Kappa, una criatura acuática que habita en las profundidades de la laguna. Su sorpresa llega cuando descubre que el extraño ser no es sino la reencarnación de Aoki, su primer amor. Lo que sigue, es un hilarante espectáculo en el que no falta romance, música y sexo. Y os aseguro que no es ninguna broma lo que acabáis de leer.

Secuencia tras secuencia nuestra incredulidad dará  paso a una realidad más cercana. Vibraremos con la música de Stereo total, con las danzas poco o nada ensayadas, pero ahí su gracia y encanto, sus letras que no vienen a cuento con lo que estamos viendo y un sin fin de encuentros, que harán del más friki, gozar al máximo. Y el que no se considere o no lo sea –friki- veréis como también disfruta.

Imaoka y Moriya son culpables de que nos sintamos un poco preocupados por el estado mental en el que nos podemos quedar después de ver esta fantástica película, que será todo lo delirante que quiera serlo, pero que desprende belleza en su filmación como en la fotografía de muchísima calidad. Y es que Shinji Imaoka juega con la cámara de manera impecable y Christopher Doyle, el encargado de la dirección de fotografía en los trabajos de Wong Kar-wai, es también aquí el jefe en este apartado y bien se nota.

“Underwater Love”  contiene diálogos que con el paso de los minutos nos son más familiares y únicos. Que “la perla anal” y “el dios de la muerte” serán para no olvidar. Que de lo absurda que puede llegar a ser, es hasta coherente y gratificante. Una película totalmente recomendable para  gente sin prejuicios, para los que no tengan miedo a reírse mucho y para los que quieran disfrutar de obras atípicas que llegarán a convertirse en culto con el paso de los años.

Una mezcla explosiva de música, sexo y situaciones desternillantes que hacen de la historia de este curioso animalito de las aguas no muy profundas, un experimento sin precedentes.

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El árbol de la vida (2011)

  El árbol de la vida

  País: Usa

  Duración: 139 min

 Dirección y guión: Terrence Malick

 Reparto: Brad Pitt, Jessica Chastain, Sean Penn, Hunter McCracken, Laramie Eppler, Tye Sheridan

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Dos horas y diecisiete minutos dan para pensar en muchas cosas, hablar sobre muchas cosas innecesarias y en voz alta, incluso, para estar mensajeándote toda la película con alguien o viendo las últimas noticias de tu muro del cada vez más dicho para algunas cosas, facebook. Te puede no gustar la película, horrorizar, hacerte bostezar como si fueras un hipopótamo hambriento, desesperar lo insufrible de mal que lo puedes pasar, pero por eso, no debes faltar el respeto al que está a tu lado, delante, detrás o al otro lado. No por eso vas a estar soltando soplapolleces durante toda una obra cumbre en la historia del cine. No por ello te va a sudar todo lo tuyo el que otros puedan disfrutar de uno de los trabajos más personales, bárbaros, a veces indescriptibles y necesarios del celuloide actual y muy futuro.

Que se puede decir de una película que hay verla para poder o intentar imaginársela, para construir tú, tu propio árbol de la vida. Escribir del último trabajo de Malick para –que no se debe- desintegrar partícula a partícula, o átomo a átomo cada secuencia de la que somos testigos, no es buena idea. Como tampoco ese final que sería lo “más” complejo de todo el film, abierto a un sin fin de posibilidades poéticas, filosóficas/religiosas o dadas por la propia madre naturaleza. Por mucho que pueda contaros, ya os aviso que el último trabajo de Terrence Malick es una absoluta obra de la casi absoluta perfección, de la minuciosidad con cada plano, secuencia e imagen. Por no hablar de la encomiable, absorbente y pasmosa maravilla que Alexander Desplat ha compuesto, pieza a pieza, para un trabajo, sino perfecto, casi. Escuchando “Emergence of life” es posible imaginarse o creer en cualquier creación, aún tratándose de nuestro propio planeta.

Pero,  ¿y si nos vamos a  la fotografía de Emmanuel Lubezki?, simplemente, espectacular. No había visto tanta belleza visual, en la cantidad que se nos da y como se nos da, desde hacía 2001 años. Lubezki te deja boquiabierto, siempre que puedas o gustes saborear trabajos así, uno quedará prendado. Y a estos trabajos de director, director de fotografía, guionista, etc., debemos sumarle sus actores y actrices. Donde por encima de todo, me gustaría dejar bien claro, que el niño mayor, lo borda, el resto, para gustos, como siempre.

Dos horas y diecisiete minutos bastan para cegarnos con un cine de autor de un realizador que sigue indagando y experimentado donde otros ya lo hicieron con anterioridad (Stanley Kubrick por poner un ejemplo rápido) con otros parámetros totalmente diferentes a los estipulados dentro de lo que se podría llamar cine para las grandes industrias, haciendo casi una excepción con los creadores de cine experimental, puesto que aquí, Malick, también se argumenta en este campo con su árbol de la vida increíblemente detallado, narrado y contado con exquisita y diferente visión a cualquier otra propuesta que se te pueda pasar por la cabeza.

El amor a la vida, la esperanza de poder contarla cuando te marches y las preguntas que te surgirán. Allá donde quieras ir o creas que vas a ir. El amor a la naturaleza, a su origen y al nuestro. Imágenes, que aparte de servir para salva pantallas – la chica dos butacas a mi izquierda lo tenía muy claro-, hacen que tus pupilas se ensanchen, tu cabeza trabaje y tu corazón se acelere de emociones que difícilmente podrás olvidar. El comienzo de lo que actualmente somos, nuestro presente y hacia donde nos dirigimos con sus correspondientes preguntas y dudas. El antes, el ahora y el después. Todo serena y astutamente contado sin seguir ninguna línea narrativa que no hace otra cosa, que ponerte a trabajar para entenderla o para crearte tú, tu propia existencia, árbol o vida que desees tener.

Son muchísimas las referencias de las que se nutre el director de “La delgada línea roja” y “El nuevo mundo”. Dos películas donde ya se puede ver con mucha claridad esa manera de mostrar sus conocimientos cinematográficos e inquietudes por seguir creciendo hasta… “El árbol de la vida”. Un acontecimiento sin precedentes, provocando como lo está haciendo hasta ahora, el que la gente, incluso, salga antes del encendido de la luces por la puerta de salida. Reacciones de todo tipo, pero casi siempre en ambos extremos colocando a la ganadora de último festival de Cannes en lo más alto de las taquillas españolas en su primera semana de proyección.

A mí “El árbol de la vida” me parece una maravilla de principio a fin y a otros les parecerá una soberana mierda o un apoteósico tostón. Por eso, lo hermoso de esta vida y del ser humano. Cada uno elige lo que le apetece y agrada, cueste lo que cueste. Difícil o fácil, entretenimiento y diversión, seriedad y concentración. Muchos de estos adjetivos pueden ir agarrados  perfectamente de la mano para muchas de las películas que al cabo del año terminamos viendo. Otra veces, no tanto.

“El árbol de la vida” es la consagración de un director que a base de finas y delicadas pinceladas consigue su mejor cuadro en movimiento. Un trabajo que reluce belleza, que te hace exteriorizar todo lo que llevas dentro, una monumental obra que no hay que dejar pasar por nada en el mundo.

Espero que seáis felices durante vuestra existencia…

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