A Field in England (2013)

Bajo los efectos de los alucinógenos nunca será real lo que se percibe. Nunca palparás con total nitidez lo que se cruza ante tus ojos. El estado mental después de ingerir ciertos tipos de sustancias hace que la mente trabaje a otro ritmo, que te haga confundir situaciones, comentarios… pero también te ayuda a no sentir la pesadez de tu cuerpo, que se ha ido flotando a otro lugar, dejando así tu alma libre de cargas y a total disposición de la imaginación. Entonces, es cuando puedes estar en varias habitaciones actuando a la vez, haciendo cosas que crees no haber hecho una vez que te miras en el presente y visualizas el pasado, o, simplemente, volar como las mariposas, sin hacer ruido ninguno y viendo la vida brotar entre grises y fuertes colores que inundan tu ser.

El último trabajo del inglés Ben Weathley hasta el momento es lo más arriesgado y experimental que ha hecho. Nada que ver con Kill List, Sightseers (Turistas) o Down Terrance. Con cuatro duros (rodada en 12 días y con 300.000 libras) y cinco personajes, se inventa una historia en blanco y negro que te llevará, porque está claro que debes de subirte al carro de la extraña narración y sujetarte bien fuerte a ella y esperar para ver donde te llevará -con una propuesta tan inquietante como ésta, como para no hacerlo-, o hasta que el espectador vea oportuno. Sin aparente sintonía entre sí, concordancia o  estructura argumental alguna, vemos pasar los minutos ante nuestros ojos, cada vez más débiles y expuestos a la sobredosis de un olor que rezuma en nuestros pies, y nuestro cuerpo, que con  el paso del metraje y las vivencias de nuestros protagonistas, se alejará más de una realidad que parece ser, dejó de existir tiempo atrás.

A field en England se desarrolla en la Guerra Civil. Nuestro nuevos amigos, que nos conducirán hasta la tierra de la libertad fílmica, tropiezan con un alquimista quien les propone encontrar un tesoro oculto en un campo no “demasiado” lejos de donde se encuentran. El problema reside en que el tesoro puede no ser tal tesoro y las misteriosas energías que rodean la campiña comienzan a hacer mella en la moral y la cordura del grupo.

Con esta simple premisa, caminaremos y caminaremos durante largos minutos, pero ese tesoro no tesoro, echará a andar mucho antes de que nosotros nos demos cuenta y para entonces, Weathley nos habrá disparado infinidad de veces hasta hacernos caer expuestos a cualquier muerta digna del mejor final enfermizo y bizarro. Y es que no es hasta pasada la mitad de la cinta, si seguías subido al carro, cuando empezamos a darnos cuenta de que somos uno más de estos guerrilleros en busca también de una cerveza que nunca llegará, pero lo más grave, es que seremos participes también de terribles y trágicos sucesos perjudiciales para la mente.

Weathley, en el tramo final, principalmente, hace un despliegue en plan animal de cualidades cinematográficas como cualquier maestro de este arte, seduciéndonos con un poderío visual y sonoro apabullante, e impregnándonos más aún, de la alucinante y malsana droga que baña todo su trabajo de principio a fin. Más entendible o no (eso cada uno se la masca como sepa o quiera), esta propuesta inclasificable es tan bella como arriesgada. Tan enigmática como sugerente. A Field en England no se anda con medias tintas y tienta a todo espectador a un viaje hasta ahora desconocido y terriblemente seductor.

Quedarse congelado unos segundos sin previo aviso, como si de un retrato se tratara. Morir, renacer, gritar, matar, buscar… Todo un batiburrillo que a mí personalmente, me ha agradado y seducido.

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Mini reseñas – «El Castillo ambulante», «Porco Rosso» y «La princesa Mononoke» –

Mientras llega la oportunidad de ver The wind rises en su estreno cartelero (hay que despedirse a lo grande) y el tener que volver a emocionarme con una nueva genialidad del gran maestro de la animación y del séptimo arte, os dejaré unas mini criticas de tres joyas imperdibles, que ya habréis visto muchos de vosotros/as, pero son los tres últimos trabajos que he visto del realizador japonés, y como amante a sus historias, no podían faltar en este blog.

El Castillo ambulante narra la historia de Sophie, una joven sobre la que pesa una horrible maldición que le confiere el aspecto de una anciana. Sophie decide pedir ayuda al mago Howl, que vive en un castillo ambulante. Pero tal vez sea Howl quién necesite la ayuda de Sophie.

Aquí, Miyazaki, en plan animal, abre su mente y deja salir tal nivel de fantasía e imaginación que varias horas después incluso de su final, el espectador seguirá perplejo, anonado, impresionado y noqueado. El derroche de color, sus secuencias inimaginables, las situaciones y paisajes oníricos (difíciles también de imaginar si no es en alguno de tus mejores sueños), son de una absoluta y enorme maestría que sólo puede hacer un Señor.

No se da crédito al espectáculo que nos arroya. No hay espacio para asimilar ciertos aspectos. No hay momento para no dejar de alucinar con esta bellísima película. Es aconsejable e imprescindible dejarse llevar, porque el resto es puro amor y sueños de otro calor. ¡¡Miyazaki es Dios!!

Porco Rosso, una película donde una nube estelar se llevará nuestras aventuras vividas, amores y amigos de un pasado, gracias a la invitación de Miyazaki a un paseo por su cielo (plató) tan querido, lleno de emoción, intriga y pasión. Ternura, amores difíciles de creer, aviones, suspiros y esperanzas en un trabajo sencillamente fantástico.

En un periodo de entreguerras. Porco es un cerdo aviador que frustra todos los actos de piratería perpetrados por los piratas aéreos del Adriático. Éstos, decididos a acabar con el valiente y hábil aviador, se ponen de acuerdo para contratar a un aventurero americano cuya misión será eliminarlo.

Porco nos hará sentirnos pilotos de su propio avión de guerra. Porco nos sacará ese romanticismo de nuestro interior y vivir un largometraje como actores principales. Miyazaki vuelve a bordar un excelente episodio más de su grandilocuente carrera.

Recuerdo el año de su estreno, pasar por delante de un cine vitoriano, ver el cartel y quedarme extrañado al ver una película de dibujos en la cartelera. Yo ni idea de lo que era, ni quien era el director, ni nada. Iba camino de otro cine y otra película. Aquella tarde vi Out of sight (Un romance muy peligroso) de Steven Soderberg, que me gustó mucho, pero que tampoco esperaba. Hoy, si pudiera volver a aquel día (año 1998), elegiría sin lugar a dudas la impresionante y mágica La princesa Mononoke. Eran otros tiempos para mí. Comenzaban a forjarse mis cimientos cinéfagos y hasta el día de hoy.

 La princesa Mononoke cuenta como con el fin de curar la herida que ha causado un jabalí enloquecido en el joven Ashitaka. Éste, sale en busca del dios Ciervo, pues sólo él puede liberarlo del sortilegio. A lo largo de su periplo descubre cómo los animales del bosque luchan contra hombres que están dispuestos a destruir la Naturaleza.

A lo largo de dos horas y cuarto seremos compañeros de Ashitaka cruzando montañas, ríos, pueblos, batallas, personajes inolvidable y entrañables y lugares idílicos. Durante estas más de dos horas de metraje, presenciaremos un precioso poema de amor a la naturaleza, a la vida, al reino animal, y también, a la increíble ambición del ser humano, por conseguir lo que sea y como sea (quedará vulgar, pero es así de rotundo). Miyazaki con esta obra me rompió en pedazos. La emoción contenida no podía pesarme más. Lo sobrenatural se mizo real. La magia me absorbió. La princesa me cautivó.

Hayao Miyazaki

HayaoMiyazaki.es

Estudios Ghibli (página oficial)

Generación Ghibli (página española)

Miyazaki movies

 

Fist of Jesus (2012) – Gore de la mano de Jesucristo –

Fist Of Jesus es de lo más bestia, salvaje, animal, divertido, gore, genuino, fantástico y desternillante que he visto en mucho, pero que en mucho tiempo (llego tarde, lo sé, pero cuando la agenda está repleta de otras cosas…). Es simplemente una obra maestra del gore. ¡Así, sin más! Rotundamente, porque es algo que va más allá de todos estos adjetivos o posibles imaginaciones ensangrentadas antes vistas. Es una puta locura llena de carne, sangre y humor. Es merecedora de todos los premios y halagos existentes. Es un ejemplo de amor al arte goreano. Es, imprescindible y obligada de ver una vez al día hasta el día de tu muerte.

Sinopsis

Jesús siempre está dispuesto a echar una mano a los necesitados, pero hay otros… que van a probar su puño.

Sus creadores, David Muñoz y Adrián Cardona están dispuestos a hacer de este corto un largoemtraje llamado: Once upon a time in Jerusalem ,pero todo depende de la pasta y para ello pueden ustedes mismo pinchar en siguiente enlace y hacer sobre las estrellas que hay bajo el vídeo. También pueden seguir el curso de este trabajo en su pagina del facebook (Fist of Jesus Facebook).

Fist of Jesus web

 

El Castillo en el cielo (1986)

En 1986 -leéis bien-, dos años antes de la obra maestra Mi vecino Totoro (1988) y posterior a obras de indudable genialidad como: Lupín (serie), El castillo de Cagliostro, Nausicaä del valle del viento, o Sherlock Holmes (serie), Miyazaki, el Dios Hayao Miyazaki. Porque si en alguien hay que creer, es en este Señor y sus historias. Se sacó de la manga una bella historia de acción y emoción que transcurre en un cielo bello por su simpleza y silencio, y en una tierra escarpada con trepidantes caídas a vacíos llenos de vida, llamada El Castillo en el cielo. Con este Señor es imposible decir eso de: “ya por entonces…”, porque todo lo que ha hecho se ha convertido en oro puro. Algunas de sus películas como trabajos para los estudios Ghibli no son del mismo calibre, no están a la altura, por ejemplo; de El viaje de Chihiro (2001) o La princesa Monoke (1997) –aún sin ver–, pero es innegable la facilidad para hacer de lo simple, una fascinante e imborrable historia que perdurará para siempre en lo más profundo de tu ser.

El Castillo en el cielo narra como una aeronave se desliza sobre un mar de nubes, en una noche de luna llena. Muska, un agente secreto del gobierno, acompaña a una chica llamada Sheeta a la fortaleza de Tedis. Repentinamente la nave es atacada por los piratas que, al igual que el gobierno, buscan el secreto de la piedra mágica de levitación que Sheeta lleva alrededor del cuello. La piedra es la llave que abrirá las puertas de La fortaleza celeste, una isla flotante en medio del cielo creada por una misteriosa raza que hace mucho tiempo desapareció del planeta. Pazu, un joven muchacho, se hace amigo de Sheeta, le ayuda a escapar de sus seguidores y juntos se disponen a resolver el misterio de la fortaleza celeste. Cuando Sheeta y Pazu inician su viaje hacia la fortaleza celeste, ponen en marcha una cadena de acontecimientos irreversibles. En este misterioso lugar encontrarán un tesoro mucho más grande que el poder de gobernar el mundo.

Sheeta y Pazu serán nuestros guías a un nuevo mundo de tranquilidad, armonía, silencio roto por algo más hermoso que el propio sonido de la nada y a unas raíces, que perfectamente pueden ser las -son- raíces de la vida, el amor y la paz. Esta parejita de jóvenes a través de su aventura por tierra y aire, nos harán vibrar, disfrutar y emocionarnos hasta el punto de sentir ser una nota musical más de una conmovedora banda sonora y, parte de Lupuntu –la citada fortaleza celeste. Y es que Lupuntu, esta isla flotante entre nubes, será otra de nuestras obsesiones. Será nuestro idílico retiro cuando la edad sólo nos permita disfrutar y no preocuparnos de nada.

El maestro, el inigualable, el Dios Miyazaki, de una simple historia de bandidos, persecuciones y una piedra con poderes más que inimaginables, nos demuestra ser capaz de pulir cualquier historia hasta el punto del delirio emocional. Su cabeza, que a saber por dónde ha pasado, es única para juntar a pequeños y no tan pequeños espectadores, y arrancarles sonrisas, palmadas y, un brillo en los ojos diferente a todo. Es este brillo el que puede explicar sin palabras las sensaciones que a uno se le quedan cuando ve trabajos de este japonés Rey de la animación mundial.

Es por eso que, El Castillo en el cielo, siendo una historia mucho menos compleja que otros trabajos suyos, por ser del año que es –esto es lo que me deja patidifuso– y, por ser tan directa, divertida y apasionante, la convierten en otra pequeña joya del cine.

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Nosferatu (1922)

Nosferatu, un clásico, este gran clásico, con una de las secuencias más maravillosas, terroríficas, sombrías y vistas del séptimo arte, pasó por delante de mis ojos hace apenas unos días. El lugar, el festival de cine fantástico Europeo de Murcia celebrado en la Filmoteca Regional y, con una peculiaridad más, fue acompañada la proyección por dos músicos, Lucas Albadalejo (teclado) y Victor Díaz Pastor (guitarra), que elaboraron una música dulce y especial de cosecha propia para la ocasión. Decir, que ambos trabajos unidos –y para deleite de los asistentes- hizo que presenciáramos uno de los momentos más bonitos del festival y de la vida de uno como cinéfilo o espectador. Son muchos los momentos grandes que resaltar para un cinéfilo, pero este ya es uno más en mi lista particular.

Es sabido de este film de terror como uno de los ejemplos claros de vampirismo auténtico, obra clave del expresionismo alemán y del terror en todas sus vertientes; poética, estilista y tenebrosamente hablando. Porque en esta joya, adaptada libremente por F.W. Murnau de la obra de Bram Stoker, “Drácula”, -la viuda de Stoker logró que se reconociese la autoría, y obtuvo una orden judicial para destruir los negativos y todas las copias de la película-, podemos presenciar, saborear y disfrutar a lo largo de noventa minutos de un derroche de luces y sombras en secuencias inolvidables y mágicas, que pocas veces podrá tener uno la oportunidad. De una poesía cuidada, magistral y oscura, llamada a contagiar enfermedades de cualquier tipo, como en la propia película sucede. Aclarar, resaltar –acabo de leerlo-, que el nombre del film, “Nosferatu”, proviene del griego “Nosophoros”, que significa portador de plagas, ya que el vampirismo era según la literatura, una plaga. Y así sucede en esta pieza de culto, recordemos, filmada en 1922 por un Murnau, que por entonces, era de los más reconocidos en este campo. El conde Orlok, fuera o no un vampiro real –se dice que practicaba el vampirismo- era transmisor de plagas y allá por donde pasaba, oníricamente o no, su sombra, bocado o estampa, te mataba o petrificado dejaba (esto último por la absoluta maestría a la hora de moverse, de actuar). La forma de su cabeza, orejas puntiagudas, perfil y unas uñas que dan miedo, son detalles de mucho valor realzados cuando la luz, sobre todo, dejaba su imagen grabada en una pared.

Hutter (Gustav von Waigenheim) viaja hacia Transilvania para intentar vender una propiedad en Bremen al conde Orlok (Max Schrek). Llega a la región y descubre el miedo de sus habitantes cuando comenta su visita al castillo de Orlok. A pesar de ello y de la lectura de un libro sobre vampiros, Hutter llega por la noche al hogar del extraño conde, con quien negocia la compra del inmueble. A la mañana siguiente y tras despertarse, descubre dos pequeñas heridas en su cuello… Su vuelta a Wisborg será una dura lucha contra su agónico estado de enfermedad y por llegar a tiempo y salvar a Ellen –su mujer-, en peligro desde que el conde la vio en una fotografía. El descubrimiento de que Orlok es realmente un vampiro, será el comienzo de un final plagado de muertes e interrogantes.

Sobre este acontecimiento cinematográfico lleno de terror y furor, os puedo decir, que gracias a los culpables de cámaras, fotografía, dirección, escenarios y ambientación de la película, sumado a la impresionante y elocuente música de Lucas y Victor que hizo de banda sonora, pude ser testigo de un momento evocador de otros momentos igual no vividos aún, pero significativos a la hora de creer en el terror y sus muchas formas existentes que tiene.

Nosferatu, que muerde y apesta hasta matar, es increíblemente bella.

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Nosferatu de Werneg Herzog

Shadow of the vampire (la sombra del vampiro) de E. Elias Merhige

 

Drive (2011)

País: Usa — Duración: 100 min — Director: Nicolas Winding Refn — Guión: Hossein Amini — Reparto: Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Albert Brooks.

Avisado y requetavisado estaba mucho antes de que me decidiera finalmente a verla. Para mi amigo Alex, la película, perdón, el peliculón del año. Para Jaime, una increíble sorpresa que lo dejó sin claras definiciones sobre lo que acaba de ver y después escribir. A Josu, le decía que ya daba igual lo que me quedara por ver, porque para mí, queridos y queridas lectores y lectoras, para mí, la verdadera y auténtica prueba de que el cine es magia y te hace soñar, está escrito en Drive.

Drive de Nicolas Winding Refn no es sólo la película del año, es o va mucho más allá de esta simple o compleja etiqueta. Drive, una historia sencilla, pero que su director ha sabido -y encargado- de maquillar de manera asombrosa con un estilo visual que te petrificará, una narración que corta el hielo y una banda sonora elegida con una increíble elegancia y precisión, que de la sencillez entonces, pasamos al éxtasis cinematográfico total y absoluto. Y todo desde el segundo uno hasta el oscuro final, desde la emoción al llanto, desde la vida a la muerte… Drive es un claro ejemplo de lo que se podría llamar auténtico cine, ya sabéis, poco diálogos y que las imágenes y tu mente, vayan montado la historia como más placenteramente se pueda o quiera. Dejarse llevar.

Winding Refn con algunas propuestas más que interesantes a su espalda ya, y dejando más que patente un estilo propio (“Bronson”, “Valhalla Rising” o cualquiera de las tres partes de “Pusher”), se eleva por el mismo, porque yo ya lo tengo en el olimpo, a peldaños dentro de esta industria, muy altos. Con Drive (premio a mejor director en el último festival de Cannes entre muchos premios más en diversos festivales), Refn nos demuestra con elegancia y sabiduría lo grande que se puede llegar a convertir cualquier cosa. Cogiendo un poco de aquí y otro poco de allá. Eligiendo un reparto tan grandioso como maravilloso al que se le dice lo justo para que hagan barbaridades delate de la cámara. Una banda sonora que hace que tu vello se descontrole y que tus ojos, casi lloren. Drive está llena de secuencias imposibles de olvidar, es más, llegarás a soñar con ellas. Es más… Drive te escandalizará.

Drive se resume rápida y fácilmente en pocas líneas, como su sinopsis, vamos. Driver (Gosling) durante el día es conductor especialista de cine, pero, de noche, trabaja como chófer para delincuentes. Shannon (Cranston), su mentor y jefe, que conoce bien su talento al volante, le busca directores de cine y televisión o criminales que necesiten al mejor conductor para sus fugas, llevándose la correspondiente comisión. Pero el mundo de Driver cambia el día en que conoce a Irene (Mulligan). Decir que sucumbí ante esta chica.

Y tanto que cambia, y por supuesto que cambia la vida de Driver y la tuya, porque no os voy a desvelar nada de la trama, más lejos de lo que acabáis de leer. Porque quiero que vuestro estado vaya cambiando, según conozcáis a Mulligan, según conozcáis a Driver y según vayáis conociendo minuto a minuto lo que se esconde tras este regalo tan especial como increíble que el danés ha regalado al mundo del séptimo arte. Es inconcebible que un cinéfilo no la vea, que le guste, es otra cosa, pero que la vea y observe como lo hace Gosling en la película. Porque en Driver, lo que funciona son las miradas, secuencias y música. Porque se carece en gran parte, de diálogos que únicamente destrozarían su belleza si existieran. Porque Refn nos alimenta, como decía antes, de las dosis que el auténtico cine sabe servir de vez en cuando. Frente a frente, la película y tú, nadie más en la sala. Su música y tus estímulos. Su guión y tus sentimientos. Gosling, Mulligan, Drive y la increíble y sorprendente verdad, de levantarme del sofá lleno de emoción y agitación. Impulsado, lanzado al centro del salón cuando aún quedaban muchos minutos de auténtica pasión, pasión por el cine, amor por Drive.

Porque durante cien minutos, seremos de Drive.

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Melancholia (2011)

País: Dinamarca, Suecia, Francia, Alemania — Duración: 136 min — Dirección y guión: Lars Von Trier — Reparto: Kirsten Dunst, Charlotte Gainsbourg, Kiefer Sutherland, Alexander Skarsgard

                                                       Melancholia

Llegará el día que una película de Lars Von Trier  sea indiferente para el público que se digne a verla?  Habrá tiempo para cruzar esa barrera que existe entre su cine, o más bien, sus historias, de la vida que hay fuera o que tu normalmente sueles vivir?  La brutal fuerza de sus historias serán olvidadas alguna vez entre miles y miles de metros de escombro de rollo cinematográfico? Podríamos  estar haciéndonos cuestiones sobre el cine del danés durante mucho tiempo y creo, que llegaríamos al mismo sitio de partida. No hay que darle más vueltas, hay que dejarse llevar, disfrutar de su inmenso genio a la hora de dirigir y escribir. Y que suelte lo que le de la gana por la boca, cuando lo único que busca es vender algo que no hace falta venderlo.

Tras todo el revuelo montado, pero principalmente, atraído por ver la película en pantalla grande, fui corriendo al estreno de  cartelera. No sabía después de la descomunal, brutal y negra historia que hay detrás de “Antichrist” (y mi reseña aquí), que me iba a encontrar con esta “Melancholia”. Si estaría por debajo, por encima, a la par, si volvería a ser convertido en piedra como con la anterior. Si saldría del cine y muchos días después, seguiría pensando segundo a segundo en lo sucedido en la sala. Ya que esas historias que se guardan en tu cabeza durante varios días después, es por algo, es porque no te puedes ir a la cama y dormir con tranquilidad, incluso, no puedes ni levantar la pierna para entrar en la ducha. Tu cuerpo, tu mente y tu alma se ralentizarán. Será el nuevo planeta? Será una enfermedad? Será la melancolía? O será el romanticismo?

Con una lenta y alucinante introducción que nuevamente dejará helado –a todos, no puedo entender otro estado- por su impresionante belleza, estilo y técnica, “Melancholia”, nos da la bienvenida. Lars Von Trier nos abre las puertas y nos presenta su nueva criatura. Y el espectador, lento como las imágenes, aguarda con asombro  lo que ve e incertidumbre lo que está por venir. Y ya, así de rápido, tu mente se llena de vibraciones extrasensoriales… pero sigamos aguardando, porque aún no hemos visto la verdadera melancolía aparecer, aunque si su brillo y su fuerza para atraernos. Tengamos paciencia, porque se sabe y muy bien, como se las gasta el bocazas éste. Continuemos dirigiéndonos hacía donde su cámara nos lleva y de la manera que nos sugiere u obliga. Y mientras nuestra mente sigue atrapada con la belleza del comienzo, nos metemos en una boda, llegamos tarde, pero somos los protagonistas. Qué manera de rodar, de ver y entender las cosas y así es como nos las sirve el danés. Primerísimos planos, movimientos de cámara continuos –una celebración de Thomas Vintenberg, total-, planos sugerentes, planos que asfixian por su belleza y ángulos. Es impagable, innegable la capacidad de este loco cuando decide de filmar y consigue dejar boquiabierto hasta al propio Hitler.

Justine (Kirsten Dunst) y Michael (Alexander Skarsgard) dan una suntuosa fiesta para celebrar su boda en casa de la hermana de la novia (Charlotte Gainsbourg) y de su marido (Kiefer Sutherland). Mientras tanto, el planeta Melancolía avanza hacia la tierra… mientras tanto y sin percatarnos, seremos nosotros mismos los que suframos la agonía de Justine, su melancolía, enfermedad o esa poderosa atracción del planeta Melancholia, que anula cualquier tipo de gravedad y provoca, incluso, mareos psíquicos. Un estado físico y mental en la piel de Kirsten haciendo un papel o desarrollando un estado emocional durante unas horas, de ensueño, imposible de olvidar, pero poco gratificante. Magnífica, maravillosa, brillante aún  con su estado apagado, impresionante.

Cuando un protagonista consigue meterse en su papel como aquí lo hace Kirsten, las consecuencias son claras. Y si el espectador consigue lo mismo que el o la protagonista en este caso, será arrastrado hasta la más mísera situación que puede un cinéfilo desarrollar en una butaca o sofá de casa.

Muy pronto, apenas recién acabado el primer plato, notaremos un ambiente en casa de Claire (Gainsbourg) de incomodidad, tirantez y desfachatez. Justine empezará su nueva bajada al pozo de la tristeza, de la soledad y de las ¿incertidumbres?, igual quiere la destrucción del planeta tierra a manos de su “amor melancólico”. Porque ese planeta escondido hasta ahora para la vista del ser humano, lleva de cabeza, pies y alma a nuestra protagonista. Se trata de una fuerza superior, como si pudieran sacar de ti y dejándote en la tierra, toda tu masa corporal, energía y quedándote a merced de Melancholia. Atrapado en una imagen para el resto de tu vida. Viendo la muerte caer a tu alrededor, sus últimos suspiros, sus últimos pasos…

Claire. Una segunda parte del film donde recaerá el peso sobre ésta, pero si n olvidar el estado y comportamiento de Justine. Claire se diferencia de Justine en la manera de filmar. Ya no hay dogma. Ahora predominan planos amplios donde podemos disfrutar de la belleza que rodea la casa de Claire. Claire ha cambiado su manera de percibir un momento único en la tierra, por un problema que se convertirá en su obsesión, agonía y sufrimiento. Si Justine hace un papel encomiable. Claire nos dejará boquiabiertos con una interpretación fuera de lo normal. Se rodeará de pesadillas que no le dejarán dormir, que la inquietarán, aturdirán y nos lo hará pasar mal a nosotros (momentazo cuando sigue a su hermana hasta la orilla del rio). Finalmente, la belleza pasa a ser un segundo plato al ser derrotada por la absoluta y poderosa magnitud de un planeta que enamora y mata.

Melancholia de von trier es opresiva y hermosa a la vez. Von trier disfruta dirigiendo, escribiendo y haciendo una, dos y varias referencias como podemos ver claramente con ciertas pinturas, música o versos. Es todo un ejercicio de poesía destructiva pero con estilo, con romanticismo y todo para que no lleguemos hasta nuestra muerte, como se suele acostumbrar la muerte a recibirnos normalmente. Lars von trier ha vuelto a liarla. Lars von trier es un grandísimo director y escritor. Un enamorado de lo que pocos se enamoran.

Lars von trier enamora (bella) y destruye (opresiva) con este romántico y melancólico proyecto.

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Las diez películas más pertubadoras.

Por petición y aceptada por supuesto dicha propuesta. Se abre nuevamente una nueva veda como ya fue en su día la terrorífica lista de las películas más extremas, gores y bizarras. Por lo tanto y con fecha tope hasta el 31 de Diciembre, ya podéis estar soltando esas películas que han conseguido joderte la mente malamente y durante un tiempo indefinido, porque, te han perturbado considerablemente y marcado para siempre.

Dicho esto y sin más preámbulos. Creemos lo que serán las diez historias más jodidas que han salido de la mente humana , si acaso somos humanos -mi amigo Tom Six, debe de estar riéndose-. Y diferenciemos aquella lista de ésta, aunque perfectamente podrían entrar muchos de los títulos que en esa se escribieron.

Mis títulos, sin ordenar y los que me han venido rápidamente a la cabeza.

White lightnin’
Henry, retrato de un asesino
The Butcher (la koreana)
Tarnation
A serbian film
The human centipede: first secuence
Nails
C’est arrive pès de chez vous
Pi
Eraserhead

A esta se le irán sumando las vuestras y hasta la fecha puesta, donde se hará un recuento de votos y ver definitivamente, qué películas son las más enfermas. Vamos, las que les tienes que poner a tus suegros el día que vayas a su casa por primera vez, en vez de ponerte a ver sus fotos de la boda.

La locura está servida, espero que seáis buenos y llenéis esto de cine.

 

Beyond The Black Rainbow (2010)

  Beyond The Black Rainbow

  País: Canadá

  Duración: 110 min

Dirección y Guión: Panos Cosmatos

  Reparto: Michael Rogers, Eva Allan, Scott Hylands, Marilyn Norry

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Los viajes psicotrópicos/alucinógenos en el cine son probablemente los más duros, inolvidables y cicatrizantes que cualquier otra gilipollez que se le pueda al humano ocurrir hacer o… tomar. Pero eso si, deberíamos –aunque perdería la gracia e interés- ser avisados de la película de Ciencia-Ficción que vamos a presenciar. Posiblemente y sin fisuras, sacarían de nuestra mente hasta la última gota que pueda servirnos para el perfecto riego cerebral.

Beyond the black rainbow es ciencia-ficción retro, porque sus colores la delatan aparte de embobar. Beyond…. es experimental por su planteamiento que te atrapa y del que difícilmente podrás escapar. Sus transparencias son sólo eso, transparencias de una maravillosa e impecable majestuosidad que personalmente, me dejaron prendado. Nada es lo que parece, puertas que no existen, ahora se abren ante tus ojos haciéndolos duramente excépticos a lo que ven. El exterior creemos que está dentro de alguna forma que a su vez se desforma. El viaje al que somos sometidos viene acompañado de colores que nacen a raíz de otros. Bañarán nuestros cuerpos, porque cobran vida. Se saldrán de la pantalla e inundarán la sala con mezclas oscuras, brillantes y radiantes que jamás antes hayas visto ni el cuadro más inimaginable.

Beyond the black rainbow es silencio y música oscura a la vez. Una potentísima y lóbrega música que hará las mil y una noches en el paraíso sonoro de todo aquel que se deje llevar y fascinar por sonidos asombrosamente envolventes y rompedores. Y ese silencio del que os hablo, te llenará los oídos de figuras que crearás a tu gusto. Un silencio que se engrandece hasta tragarte. Una vida junto a Allan (nuestra protagonista) que te sumirá en lo más lejano de tu mente.

Panos Cosmatos, el creador de esta genialidad, nos muestra el poder interno del ser humano. Y nos mete en lo más profundo del misterioso instituto Arboria, una hermosa y perturbada chica llamada Allan, está cautiva por un medico en busca de su paz interior. Su mente está controlada por una siniestra tecnología. En silencio, ella espera por su próxima sesión con un trastornado terapeuta, el Dr. Barry Nyle. Si quiere escapar, deberá adentrarse por los rincones más oscuros del instituto, pero Nyle no dejara escapar fácilmente a su creación con más talento y la más peligrosa también.

Panos Cosmatos y su idea de la felicidad eterna en una vida paralela, es su píldora a digerir en una película increíblemente fascinante, hipnótica, poderosa y repleta como anteriormente he dicho, de formaciones abstractas y un colorido de textura saturada. Su belleza asombra, su técnica inquieta, su resultado final es para espectadores fuertes y exigentes. La película puede matarte de la forma más aguda que puedas imaginar, como son los poderes de Allan y su impresionante trabajo y hazaña.

Acaba la película, un baño de agua bien fría es el mejor antídoto para salir a la luz de la noche y deglutir las horas que no sabes bien donde realmente has estado. Panos Cosmatos se ha convertido en un dios y al que le doy las gracias, rotundamente, por este más allá…

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El árbol de la vida (2011)

  El árbol de la vida

  País: Usa

  Duración: 139 min

 Dirección y guión: Terrence Malick

 Reparto: Brad Pitt, Jessica Chastain, Sean Penn, Hunter McCracken, Laramie Eppler, Tye Sheridan

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Dos horas y diecisiete minutos dan para pensar en muchas cosas, hablar sobre muchas cosas innecesarias y en voz alta, incluso, para estar mensajeándote toda la película con alguien o viendo las últimas noticias de tu muro del cada vez más dicho para algunas cosas, facebook. Te puede no gustar la película, horrorizar, hacerte bostezar como si fueras un hipopótamo hambriento, desesperar lo insufrible de mal que lo puedes pasar, pero por eso, no debes faltar el respeto al que está a tu lado, delante, detrás o al otro lado. No por eso vas a estar soltando soplapolleces durante toda una obra cumbre en la historia del cine. No por ello te va a sudar todo lo tuyo el que otros puedan disfrutar de uno de los trabajos más personales, bárbaros, a veces indescriptibles y necesarios del celuloide actual y muy futuro.

Que se puede decir de una película que hay verla para poder o intentar imaginársela, para construir tú, tu propio árbol de la vida. Escribir del último trabajo de Malick para –que no se debe- desintegrar partícula a partícula, o átomo a átomo cada secuencia de la que somos testigos, no es buena idea. Como tampoco ese final que sería lo “más” complejo de todo el film, abierto a un sin fin de posibilidades poéticas, filosóficas/religiosas o dadas por la propia madre naturaleza. Por mucho que pueda contaros, ya os aviso que el último trabajo de Terrence Malick es una absoluta obra de la casi absoluta perfección, de la minuciosidad con cada plano, secuencia e imagen. Por no hablar de la encomiable, absorbente y pasmosa maravilla que Alexander Desplat ha compuesto, pieza a pieza, para un trabajo, sino perfecto, casi. Escuchando “Emergence of life” es posible imaginarse o creer en cualquier creación, aún tratándose de nuestro propio planeta.

Pero,  ¿y si nos vamos a  la fotografía de Emmanuel Lubezki?, simplemente, espectacular. No había visto tanta belleza visual, en la cantidad que se nos da y como se nos da, desde hacía 2001 años. Lubezki te deja boquiabierto, siempre que puedas o gustes saborear trabajos así, uno quedará prendado. Y a estos trabajos de director, director de fotografía, guionista, etc., debemos sumarle sus actores y actrices. Donde por encima de todo, me gustaría dejar bien claro, que el niño mayor, lo borda, el resto, para gustos, como siempre.

Dos horas y diecisiete minutos bastan para cegarnos con un cine de autor de un realizador que sigue indagando y experimentado donde otros ya lo hicieron con anterioridad (Stanley Kubrick por poner un ejemplo rápido) con otros parámetros totalmente diferentes a los estipulados dentro de lo que se podría llamar cine para las grandes industrias, haciendo casi una excepción con los creadores de cine experimental, puesto que aquí, Malick, también se argumenta en este campo con su árbol de la vida increíblemente detallado, narrado y contado con exquisita y diferente visión a cualquier otra propuesta que se te pueda pasar por la cabeza.

El amor a la vida, la esperanza de poder contarla cuando te marches y las preguntas que te surgirán. Allá donde quieras ir o creas que vas a ir. El amor a la naturaleza, a su origen y al nuestro. Imágenes, que aparte de servir para salva pantallas – la chica dos butacas a mi izquierda lo tenía muy claro-, hacen que tus pupilas se ensanchen, tu cabeza trabaje y tu corazón se acelere de emociones que difícilmente podrás olvidar. El comienzo de lo que actualmente somos, nuestro presente y hacia donde nos dirigimos con sus correspondientes preguntas y dudas. El antes, el ahora y el después. Todo serena y astutamente contado sin seguir ninguna línea narrativa que no hace otra cosa, que ponerte a trabajar para entenderla o para crearte tú, tu propia existencia, árbol o vida que desees tener.

Son muchísimas las referencias de las que se nutre el director de “La delgada línea roja” y “El nuevo mundo”. Dos películas donde ya se puede ver con mucha claridad esa manera de mostrar sus conocimientos cinematográficos e inquietudes por seguir creciendo hasta… “El árbol de la vida”. Un acontecimiento sin precedentes, provocando como lo está haciendo hasta ahora, el que la gente, incluso, salga antes del encendido de la luces por la puerta de salida. Reacciones de todo tipo, pero casi siempre en ambos extremos colocando a la ganadora de último festival de Cannes en lo más alto de las taquillas españolas en su primera semana de proyección.

A mí “El árbol de la vida” me parece una maravilla de principio a fin y a otros les parecerá una soberana mierda o un apoteósico tostón. Por eso, lo hermoso de esta vida y del ser humano. Cada uno elige lo que le apetece y agrada, cueste lo que cueste. Difícil o fácil, entretenimiento y diversión, seriedad y concentración. Muchos de estos adjetivos pueden ir agarrados  perfectamente de la mano para muchas de las películas que al cabo del año terminamos viendo. Otra veces, no tanto.

“El árbol de la vida” es la consagración de un director que a base de finas y delicadas pinceladas consigue su mejor cuadro en movimiento. Un trabajo que reluce belleza, que te hace exteriorizar todo lo que llevas dentro, una monumental obra que no hay que dejar pasar por nada en el mundo.

Espero que seáis felices durante vuestra existencia…

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